Dorothy's gallery, un espace d'art, un espace militant. Après avoir organisé une exposition à la gloire du candidat Barack Obama, à l'automne dernier, le lieu remet ça, avec cette fois une exposition entièrement dédiée... aux Etats-Unis. Après un accrochage au Jardin d'acclimatation, Dorothy poursuit l'événement dans ses murs. Une cinquantaine d'artistes contemporains américains y sont à l'honneur. Peintures, sculptures, dessins, photos, vidéos, collages... Parmi les artistes à l'honneur: Stephen Tamisie, Matthew Rose, Robert Gallagher. Concerts et ateliers d'arts plastiques complètent le menu des réjouissances.

Exposition « Street Art », jusqu’au 13 juin, Galerie Alexis Lartigue.

Il est fou. Il est poète. Il hallucine. Il a la foi. C'est un génie. William Blake est un génie visionnaire, romantique, incompris, si ce n'est maudit, par les prêcheurs de vérité de son époque. Il était temps de consacrer, en France, une exposition entière à l'œuvre du génie : le Petit Palais et le Musée de la Vie Romantique ont réunis près de 150 œuvres, prêtées par les principaux musées britanniques.

Moderne avant les modernes, Blake eut une influence déterminante au XIXe siècle puis au XXe siècle : préraphaélites, symbolistes, surréalistes, ou même philosophes "New Age" (Aldous Huxley) ont pu voir en lui un précurseur secret et exalté. Après Dante et Milton, il fait partie des poètes qui mettent la Bible en vers ou en couleurs et la rendent sexy. Avec Les Chants d'Innocence (1789), Le Mariage du ciel et de l'enfer (1790-1793), L'Amérique et l'Europe (1793-1794), il impose un nouveau procédé - l'imprimé enluminé - des livres illustrés qui alternent poésie et gravure et dont il maîtrise l'entière fabrication, mais bouleverse aussi, par son esthétique, l'ensemble des canons académiques de l'époque.

Evénement pictural comme littéraire, l'exposition du Petit Palais témoigne de toutes les étapes de la carrière du poète graveur : les années d'apprentissage puis le métier de graveur professionnel, les premiers livres enluminés, puis, à partir de 1795, les estampes en couleur qui restent aujourd'hui ses œuvres les plus célèbres. Une place est également consacrée aux reprises des œuvres de Blake dans l'art d'aujourd'hui, avec, notamment, des extraits du Dead Man de Jim Jarmusch.

Voir le diaporama de l'expo William Blake

A l’automne dernier, le musée d’art américain de Giverny fermait ses portes après plus de quinze années d’existence. Objectif affiché : le transformer en musée des impressionnismes, et mettre en lumière les origines, ainsi que la diversité géographique de ce mouvement artistique. Et ce, sur la terre où Claude Monet vécut dès 1883 et qui abrite déjà un musée à son nom. Le site joue en effet les escales cruciales en matière d’impressionnisme, dans la vallée de la Seine.

C’est donc désormais chose faite et, depuis le 1^er mai dernier, l’exposition inaugurale du musée rend hommage à Monet, autour de son jardin.

Au total, une vingtaine de toiles y sont rassemblées parmi lesquelles « Les Nymphéas », à quelques mètres de l’endroit même de leur création. L'exposition entend mettre l'accent sur le double travail créatif du peintre. Grand jardinier et paysagiste, il composa avec art un jardin qui deviendrait ensuite le motif de ses œuvres. Un travail qui se poursuivra sur deux décennies, avant que Monet, en partie affecté par des troubles visuels, se détache de la représentation fidèle du réel.

Illus 1, Monet devant sa maison à Giverny. Anonyme, 1921, autochrome. c Musée d'Orsay. 

Illus 2, Nymphéas.

Exposition « Le jardin de Monet à Giverny : l’invention d’un paysage », jusqu’au 15 août, Musée des impressionnismes de Giverny.

Bienheureux les amateurs d’art contemporain vivant en région parisienne. Alors que La Force de l’art bat son plein au grand palais, voilà quelques jours que Montrouge a également ouvert ses portes.

Peinture, sculpture, dessin, photographie, installation et vidéo, un foisonnement d’art(s) contemporain(s) au 54^e salon de Montrouge, qui  a investi la ville le 30 avril dernier, et se poursuit jusqu’au 20 mai. Avis de vent frais annoncé sur l’événement, chapeauté par un nouveau directeur artistique depuis janvier. Journaliste, collectionneur et galeriste, Stéphane Corréard succède à Alain Lamaignère. Il défend les créateurs français d’art contemporain et de design. « De grands noms de l’art actuel ont été découverts à Montrouge. Ce rôle d’accélérateur de carrières doit être renforcé ».  En outre, le salon quitte le Théâtre pour la Fabrique. Un immense site d’exposition en lieu et place des anciens bâtiments de l’usine Areva, soit 4000 mètres carrés entièrement réagencés par la scénographe Matali Crasset –à qui l’on doit notamment la restauration de l’hôtel design niçois Hi, et l’aménagement de la Maison des Petits, au 104 parisien-.

Au total 80 mini-expositions personnelles sont proposées, avec plus d’espace accordé à chaque artiste qu’à l’accoutumée (ils sont moins nombreux).

Invité d’honneur de cette édition 2009, Arnaud Labelle Rojoux, spécialiste de la performance Illus © Arnaud Labelle-Rojoux.

54^e salon d’art contemporain. Jusqu’au 20 mai, la Fabrique, Montrouge tous les jours de 12h à 20h. Entrée libre.

A quoi Vincent Van Gogh devait-il son oreille coupée, immortalisée par plusieurs de ses toiles ? A un accès de démence, comme l’affirme la version la plus connue de l’histoire, ou à une agression de son ami, Paul Gauguin ?

C’est la dernière option que défendent deux historiens allemands, balançant un véritable pavé dans la mare… de peinture. Plus de cent ans après le drame, survenu dans la nuit du 23 décembre 1888, Hans Kaufmann et Rita Wildegans, deux universitaires de Hambourg, affirment dans un livre que Gauguin aurait agressé Van Gogh avec un sabre avant de prendre la fuite. Ils viendront étayer cette thèse à Bâle le 17 juin à l’occasion de l’exposition sur les paysages de Van Gogh. Pour Thierry Geffrotin, spécialiste français du peintre hollandais, c’est une hérésie. Gageons que ce débat - un de ceux dont le petit monde de l'art, Flu inclus - est friand, n’a pas fini de faire couler de l’encre…

Illus Autoportrait à l’oreille bandée, Vincent Van Gogh.

Ultime expérience du pop-art : peindre la Joconde avec des hamburgers. C'est ce que fait ce jeune artiste américain dans cette étonnante vidéo.

C'est plus qu'un retournement : certes la marchandisation de tout avait conduit l'art à devenir un produit comme un autre, et inversement à faire accéder des objets de consommation courante au rang d'oeuvre (oui oui comme les soupes Campbell). Cette fois le produit devient outil mais la critique sociale est intacte (ouf) puisque la vidéo nous rappelle en creux à quel point c'est gras un hamburger. On attend avec impatience les premières estampes réalisées à la sauce Samouraï.

Lire aussi : le pop art dans tous ses états sur Flu.

Cerise sur le gâteau, le Pavillon France de l’exposition universelle Shangai 2010 invitera les artistes de l’édition 2009 à représenter l’art contemporain français en Chine, du 1^er au 30 juin…
Le Prix Marcel Duchamp, créé en 2000, peut se vanter d’avoir primer des artistes depuis largement reconnus, de Thomas Hirschorn (2000) à Carole Benzaken (2004) en passant par Claude Closky (2005). Le lauréat 2008, Laurent Grasso, exposera ses œuvres à l’Espace 315 du Centre Pompidou du 17 juin au 14 septembre prochain.

Lire ici le compte-rendu des précédentes expos des lauréats à la FIAC. 

C'est la crise? Pourtant l'art moderne et contemporain ne se porte pas si mal, témoin les cotes des artistes, et les succès de récentes ventes aux enchères. Une occasion de confirmer ou infirmer la tendance? C'est dès jeudi, sous la nef du Grand Palais, à Art Paris, passage obligé de la scène artistique internationale. 800 artistes, 115 galeries -dont un tiers de galeries étrangères- présents, pour illustrer toutes les facettes de la création: peinture, sculpture, dessin, photo, vidéo, installations et performances. Cette édition 2009 renforce la présence de la photographie, avec 14 galeries spécialisées, parmi les plus prestigieuses, de Acte 2 à Camera Obscura. Les oeuvres seront présentées sous différents thèmes: portraits de villes, portraits de vies, portraits de corps. Parmi les artistes exposés, Sarah Moon, David LaChapelle ou Paolo Reversi.  Les auteurs de BD, mais aussi les dessins et oeuvres sur papiers auront également la part belle, avec notamment des oeuvres signéesHenri Michaux ou Arnulf Rainer. Des valeurs sûres de la peinture, type Hans Hartung, Poliakoff ou Zao Wou-Ki côtoieront de jeunes talents. Au rang des temps forts annoncés, la rencontre au sommet entre figuration libre et street art, dignement représentés par Hervé di Rosa et Jonone, alias John Andrew Perello. Pour compléter le programme des réjouissances, fiestas pour happy fews, et foultitudes de prix...

Illus Philippe Favier, Sans titre, 2007. Galerie Sollertis.

Art Paris, du 19 au 23 mars, de 11h à 20h30, Grand Palais. 

Ici, on découvre des œuvres spécialement créées par Combas pour l’occasion. L’artiste a repris les ektachromes d’œuvres anciennes, réalisées à partir de pages de magazines arrachées : papier glacé où s’étalent des icônes de la mode, immobiles, qu’il anime.  Ces archives passées sont réutilisées comme bases de nouvelles œuvres peintes, elles aussi photographiées et peintes en grand format. Reproduction de la reproduction, par un processus d’autoinspiration.

En 200 centimètres sur 150, les créations finales signées par l'artiste mêlent photo argentique, peinture aux couleurs pétaradantes et phrases déclinées en lettres majuscules. « J’y comprends plus rien », « Drague-moi comme une chanson d’amour ». Avec ces nouveaux ajouts successifs, il introduit du mouvement et casse le côté figé de la photo.

Voilà une dizaine d’années qu’il se penche sur ce support, en transformant des images existantes. C’est l’une des « pratiques satellites » à sa peinture. Mais quel que soit le support, on retrouve la désinvolture, l’humour, les envolées sensuelles, étranges et parfois un peu violentes, trop « gueulardes » pour certains, qui font sa patte. Sur une cité aux bâtiments verts, cliché urbain, un grand soleil jaune réchauffe une pépette allongée, lascive. Ici encore, son bestiaire étrange, puis une galerie de personnages qui mêle mante religieuse, sainte verte et noire, déesse indienne et statuette pygmée…

S’il rit des autres, il sait aussi rire de lui-même et jouer avec son image. En se qualifiant de « frimeur flamboyant » d’abord. Ou en se représentant dans des postures pour le moins improbables. Voyez cet autoportrait en Roy Loney, en avaleur de sabre et de « cool-œuvre », encore en « teenage-head » ou en saint sacristain dans une culotte de zinc !

Et puis il y ce film captivant qui lui est consacré. On y voit Combas à l’œuvre, on y entend ses confidences, verbe haut, faconde vive. Il commente notamment son travail, les accidents et les fautes qui donnent des oeuvres : « Plutôt que la ligne droite, je peins dans les chemins de traverse et parfois je tombe dans les trous ! C’est assez fatigant ». Mais tellement plus dense.

Illus "J'y comprends plus rien" dr

Exposition Robert Combas, jusqu’au 5 avril, Maison Européenne de la photographie.

C'est désormais officiel : Francisco Goya a une oeuvre de moins à son actif. Le Colosse (illustration) n'est donc pas de lui. Fluctuat vous avait déjà expliqué il y a quelques mois la démarche d'un comité d'experts mandaté par le Prado. Le musée madrilène a publié lundi sur son site le rapport complet.

Ils sont donc formels : "la pauvreté de la technique, de la lumière et des couleurs, de même que la différence marquée entre «Le Colosse» et les œuvres principales attribuées de manière documentée à Goya, deviennent manifestes".

Lesdits experts ont également relevé des hésitations de pinceau qu'on peut difficilement imputer au Maitre mais plus vraisemblablement à l'un de ses disciples.

Les experts Madrid estiment qu'il s'agirait d'Asensio Julia, peintre moins connu qui fut l'assistant de Goya et dont celui-ci a fait le portrait. Le Colosse ne serait d'ailleurs pas la seule oeuvre à avoir été abusivement attribuée au peintre espagnol...

Le Musée d'art moderne de la Ville de Paris rend hommage en cette fin d'année à un artiste mal connu et mal aimé en son pays, Raoul Dufy. La présence dans l'enceinte du Palais de Tokyo (scindé entre la Ville de Paris, qui y loge le MAMVP, et l'Etat, qui y a installé un centre de création contemporaine du même nom), de la fresque La Fée Electricité, réalisée par Dufy pour l’Exposition Internationale des Arts et Techniques à Paris en 1937 et installée en 1964, n'y est sans doute pas étrangère.

Dufy est un peintre mal aimé, on le sait depuis sa mort en 1953. Cette année-là eut lieu en son honneur une exposition au Musée d'Art moderne, à Paris. Depuis, plus rien dans la capitale française. Pourquoi un tel rejet ? Certes, Raoul Dufy ne fut pas un grand peintre, hormis un certain nombre de bonnes toiles visibles au MAMVP, notamment celles de la période fauve, lorsque l'artiste peint les plages de sa Normandie natale dans une effervescence qui mêle l'anecdote Belle-Epoque à la Maupassant à la furie fauve. Le passage au cubisme, comme chez de nombreux peintres, éteint sa palette et raidit son dessin. Puis, lorsque Dufy trouve sa manière, qui consiste à faire déborder la couleur du cadre dessiné et à répéter des marines aux vaguelettes naïves ou des intérieurs faussement matissiens, là, on ne suit plus.

L'agréable surprise de l'expo du MAMVP est donc ailleurs, notamment dans la (re)découverte du talent de Dufy comme graveur et créateur arts déco. Des tissus à fruits dessinés pour le célèbre styliste des Années folles Paul Poiret aux énormes jarres décorées avec audace, en passant par d'intrigantes maquettes d'appartements en céramique ou des projets de mosaïques florales, on saisit là grâce à l'artiste tout le charme d'une époque. Et ses séries de gravures sur bois pour Le Bestiaire ou Le Cortège d'Orphée d'Apollinaire, par le sens de la composition et la délicatesse des contrastes, valent cent fois ses toiles aux couleurs souvent criardes.

Raoul Dufy. Le Plaisir, jusqu'au 11 janvier 2009, au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris.
Ill. Raoul Dufy, Le Serpent, bois gravé, illustration du Bestiaire ou Le Cortège d'Orphée de Guillaume Apollinaire, 1910-1911, Paris, Centre Pompidou, Musée national d'Art moderne

St-art, foire d'art contemporain de Strasbourg, se tient pour quatre jours, du 21 au 24 novembre 2008, non loin du Parlement européen, au cœur d'une région où se côtoient les grands collectionneurs, surtout allemands, suisse ou belges.

Après l'effervescence parisienne des Fiac, Slick, Show Off, Paris Photo, etc., place donc aux foires de plus petite envergure en "régions", qui drainent des publics fort différents — et de fait, des œuvres d'art contemporain moins pointues. Une centaine de galeries (dont 40% d'étrangères), 400 artistes, beaucoup de peinture (Arroyo, Erro, Villeglé, Riopelle, Titus-Carmel), peu de vidéo et encore moins d'installations, mais un bel hommage aux photographes hongrois (Brassaï, Kertesz, Sved...) constituent cette 13e édition strasbourgeoise, qui attire tant le public français qu'étranger (notamment d'Allemagne, de Belgique ou du Luxembourg). A ne pas manquer, le superbe solo show de Paul Rebeyrolle chez le galeriste parisien Claude Bernard.

St-art, du 21 au 24 novembre 2008 au Parc des Expositions de Strasbourg (www)

 Le nom de Granet est le plus souvent associé au musée du même nom, à Aix-en-Provence, auquel le peintre a contribué à  donner une réputation internationale par le legs en 1849 de sa collection personnelle, comptant plus de 2000 œuvres, dont quelques 300 peintures italiennes et flamandes.

Il est connu des amateurs du peinture du XIXe siècle comme le « peintre des cloîtres », mais sa production ne se réduit pas à cette description d'une religion intimiste. Elève de David, François-Marius Granet (1775-1849) arrive à Rome en 1802, à l'âge de 27 ans. Assoifé de motifs, il veut tout peindre, mais par fragments : ruines du Colisée et du couvent Saint-Bonaventure, collines de la campagne romaine, cryptes et cloîtres, scènes populaires...

Grand ami d'Ingres, qui s'installe à Rome en 1807, Granet est une personnalité discrète dans l'histoire de l'art. Il peint la vie des grands peintres (Poussin, Stella, Le Dominiquin), mais se livre très peu dans son œuvre. Exilé volontaire à Rome pendant plus de vingt ans, Granet se forge une œuvre loin de l'influence de son illustre ami. Il aime peindre les contrastes d'ombres et lumières, la solitude apaisante des lieux saints comme les paysages fantasques d'Italie.

Son portrait par Ingres (ill.) est non seulement le témoignage d'une amitié forte, mais aussi, par son caractère à la fois classique — par la pose et l'arrière-plan (Rome et la Villa Médicis) —, et romantique — par le ciel menaçant—, un hommage complexe à un artiste tendu entre classicisme et romantisme.

Le musée Granet d'Aix-en-Provence propose cet été une rétrospective d'envergure de ce peintre trop peu connu, effacé derrière la personnalité écrasante d'Ingres. Une bonne occasion de se rafraîchir à l'ombre du grand maître...

Exposition Granet, une vie pour la peinture, au musée Granet d'Aix-en-Provence, du 5 juillet au 2 novembre 2008 (www)

Ill. Jean Auguste Dominique Ingres, Portrait de Granet, 1809, Aix-en-Provence, musée Granet © Musée Granet

A ne pas manquer si on passe par Londres cet été (ou par Zurich cet automne), l'exposition de la National Gallery consacrée aux divisionnistes italiens, version transalpine du néo-impressionnisme inventé en France par Georges Seurat. L'expo, sommaire mais efficace, rend compte des deux versants d'une même esthétique : symboliste et tourné vers la tradition ou vers le progrès social avec des peintres tels Giovanni Segantini, Angelo Morbelli ou Giuseppe Pelizza da Volpedo ; se confondant avec l'avant-garde futuriste avec Giacomo Balla, Umberto Boccioni ou Luigi Russolo. Petit aperçu en images.

Pour ceux qui ne partent pas en vacances cet été, et voudront se zénifier un peu en plein Paris, il n'est que trop conseillé de venir admirer les yeux plissés de jouissance esthétique les toiles solaires — ou lunaires — de Peter Doig, peintre écossais installé dans l'île de Trinidad.

Les grands espaces, la sérénité de l'homme inclus dans la nature, l'immensité des ciels nocturnes font partie du vocabulaire de cet artiste qui a grandi au Canada. Pourtant, Peter Doig n'est pas un artiste de plein air. C'est dans l'intimité de l'atelier qu'il reconstitue les impressions puissantes que lui laisse la nature caribéenne.

Certaines œuvres font immédiatement songer aux toiles tahitiennes de Paul Gauguin, en apparence débarrassées de leur substrat symboliste, par l'audace des coloris roses, mauves, orangés ou verts émeraude, par la solitude tranquille de l'homme en harmonie avec les paysages tropicaux, ou encore par les effets multipliés de solarisation et de halo. On pense également à Pierre Bonnard et à ses effets de texture mates.

Pourtant, la peinture de Peter Doig n'est pas qu'un plaisir pour l'œil, et est souvent plus complexe qu'il n'y paraît. Dans la célèbre toile 100 Years Ago, acquise par le Centre Pompidou en 2002, un personnage barbu, sorte de hippie échevelé assis dans un long canoë rouge qui se détache sur une eau étale, fixe le spectateur, tandis qu'à l'horizon se détache un îlot. Malgré la distance qui sépare les intentions et le contexte de création des deux œuvres, la toile de Peter Doig évoque en un lointain écho contemporain une œuvre emblématique du symbolisme, L'Ile des Morts d'Arnold Böcklin. Outre l'iconographie de l'île, chère à Peter Doig, les deux toiles partagent une réflexion sur la mort comme dernier voyage, plus discrète et subtile chez le peintre écossais. Son œuvre rejoint ainsi dans l'histoire de l'art la longue lignée de la peinture de paysage comme représentation d'une intériorité psychique.

Peter Doig, Musée d'Art moderne de la Ville de Paris (www)
Jusqu'au 7 septembre 2008
Après un passage à la Tate Britain de Londres de février à avril 2008, l'exposition fera étape à la Schirn Kunsthalle de Francfort, du 8 octobre 2008 au 11 janvier 2009.

Ill. : Peter Doig, 100 Years Ago, 2001, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne (Centre de création industrielle), Paris © Peter Doig. Courtesy Centre Pompidou, Paris — Arnold Böcklin, L'Ile des Mort, 1883, Nationalgalerie, Berlin

Remix c’est le nom de l’exposition qu'a choisi Georg Baselitz pour ses 70 ans, celui-ci s’est en effet inspiré de ses précédentes toiles pour composer les nouvelles, « réactualiser le motif en lui donnant un nouveau rythme ». Anciennes toiles qui pour certaines avaient fait scandale en leur temps. Il est vrai que tout ceci a quelque chose de sulfureux, mais pas seulement…

La plupart des tableaux exposés représentent, plus ou moins précisément, des scènes d’amour. Ces instants sont tantôt suggérés, tantôt plus érotiques, certaines toiles sont même dignes d’un illustrateur sans scrupule de Charli Hebdo. Des couples la tête en bas, dans la droite ligne du travail du peintre, enlacés, emmêlés et confondus.

Dans l’espace de la verrière on peut voir des peintures à l’huile, au premier, des aquarelles et encres de chine. Les couleurs sont gaies, pastelles, avec des accès plus prononcés parfois. Les traits, légers eux aussi, composent un tout fluide, dansant, emporté dans le tourbillon. Sur certaines toiles des motifs un peu pop, des ronds roses, envahissent l’espace blanc et dynamisent encore les ébats des amants. Sur d’autres des formes abstraites plus géométriques semblent elles au contraire tenter de cadrer un peu, mais sans s’affirmer de trop.
Les hommes sont souvent envahis d’un rouge troublant, au cou, aux chevilles, aux poignets. Cette couleur répandue avec désinvolture est signe d’une certaine violence, doublée d’une certaine fragilité, pour ces articulations chargées d’impulser douloureusement le mouvement vers l’autre. Les femmes sont parfois happées, sans contour clair, un aplat de couleur en mouvement en heurt aux formes définies des hommes, plus décidées.

Et ce qu’il reste est étrange. Parmi tous ces couples, et en contraste on le remarque facilement, il y a quelques individus seuls. Dans la verrière, un homme peint en noir tient dans ses mains sa longue verge noire elle aussi qui se lève vers le ciel. Il ne semble pas être maître de son expression, piteusement perdu, volontairement désespéré, un peu ébahi, un peu absent. Au second, un homme de face est comme écrasé sur la toile et tient à bout de bras deux valises noires. Deux sacs sans contour réellement fixe, dont le contenu apparait du coup plus grand que le contenant et comme envahissant. L’homme tente de s’en défaire, d’éloigner ses bras, il est apeuré mais semble habitué à la peur.

Qu’est-ce donc que ces hommes seuls ? Les valises des déceptions, la verge qui trahit, ce qui alourdit, ce qui commande ? Il semble que ce soit le signe d’une solitude éprouvante en tout cas. On les inviterait bien à changer de toiles, mais ça...ce n’est pas possible.

Illustr Georg Baselitz© courtesy galerie Thaddaeus Ropac

Remix de Georg Baselitz, jusqu'au 29 mars, à la galerie Thaddaeus Ropac (www)

On en a peu parlé mais l'année 2007 marquait à la fois le centenaire de la naissance de Frida Kahlo et le cinquantenaire de la mort de Diego Rivera, sa moitié amoureuse et mentor artistique. En mai 2006, à l'occasion des Rencontres internationales de la peinture murale de Mexico initiées par la fondation Diego Rivera, les œuvres de « Cité création », entreprise française connue pour ses peintures urbaines, affichent un réel succès. Pour le cinquantenaire Rivera, la Fondation a proposé à la société de concevoir et réaliser la création de trois fresques murales ainsi que la construction d'une place publique. C'est désormais chose faite : l'Espace Diego Rivera a été inauguré voilà quelques semaines dans un quartier du septième arrondissement de Lyon, en pleine mutation. On y découvre des fresques liées aux thèmes de prédilection de l'artiste : histoire du Mexique à travers plusieurs épisodes phare : invasion de Cortès, conquête espagnole, révolution agraire...

Espace Diego Rivera, rue Georges Gouy- Lyon.

Le 10 octobre dernier commençait, à la Pinacothèque de Paris, une exposition consacrée à Chaïm Soutine, peintre secret, juif émigré, expressionniste tourmenté. Ce proche de Modigliani voit aussi son histoire liée à la légende de Montparnasse. Depuis 1973, et celle de l'Orangerie, aucune exposition d'envergure ne lui avait été consacrée à Paris. C'est donc chose faite. Au total quelque 80 oeuvres, pour beaucoup exposées pour la première fois e restaurées spécialement pour l'occasion. Le tout sous la houlette de Marc Restellini. L'exposition qui devait s'arrêter en janvier est prolongée jusqu'au 2 mars. Illus "Maternité" © Collection Privée/ ADAGP Paris.

Soutine à la Pinacothèque de Paris jusqu'au 2 mars 2008. www

C'est l'une des expos événement de l'automne. Trente ans après la dernière rétrospective consacrée à l'artiste, le Grand Palais lève le voile sur l'expo Gustave Courbet ce samedi. L'exposition, organisée conjointement par la Réunion des musées nationaux, le Musée d'Orsay, le Metropolitan Museum of art de New-York et le Musée Fabre de Montpellier tente le tour de la question en 120 peintures et huit sections, des autoportraits aux paysages, en passant par le nu. Et l'évocation du destin douloureux de l'artiste, créateur de "L'origine du monde", tout autant qu'une exploration de son style, entre réalisme et romantisme. Inmanquable.

Gustave Courbet au Grand Palais, Paris. Du 13 octobre au 28 janvier 2008.(www) Illus : "Le désespéré". Photo Michel Nguyen.

Les peintres cités dans cette histoire de l'art :
- Peintres de la Première Renaissance :
Paolo Uccello, Piero della Francesca, Botticelli, Mantegna, Bellini, Van Eyck, Jérôme Bosch, Matthias Grünewald.

- Peintres de la haute Renaissance :
Dürer, Holbein, Cranach, Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange, Giorgione, Titien, Le Tintoret, Véronèse.

- Peintres classiques, baroques, et roccoco :
Le Caravage, Rubens, Georges de La Tour, Velázquez, Rubens, Vermeer, Nicolas Poussin, Watteau, Chardin, François Boucher, Fragonard, Tiepolo, Hogarth et Gainsborough.

- Peintres né-classiques, romantiques et réalistes :
Jacques-Louis David, Ingres, Gros, Goya, Géricault, Delacroix, Caspar David Friedrich, William Blake, Constable, Turner, Gustave Courbet, Millet et Edouard Manet.

Petite sélection "au compte goutte" des différentes adresses et bons plans proposés par nos lecteurs (mémo : pour proposer les votres, c'est ici).

- Les Jardins de Magali : Site gallo romain restauré avec grottes, fontaines, mosaïques et fresque. Expositions, concerts, résidences d'artistes. Si vous passez dans le Luberon... (merci Magali !)

- Les stages photos des Rencontres d'Arles : Pour la première année les Rencontres d'Arles se lancent dans la Féria de Pâques en Avril en proposant des stages de photographie. Un mot d'ordre "fête des photos". David Balicki et Jean-christophe Béchet dirigeront ces stages, l'un en se concentrant sur les nombreux visages présents (entre toreros et simple fêtards) et le second par une approche plus rédactionnelle à la manière d'un magazine photo.

- Les Liquid Waters de Martin Waugh : Jamais une goutte d'eau n'abolira le blizzard. Sigismund vous invite à découvrir les sculptures liquides de cet artiste-technophile, et précise : "il se sert du mouvement, et pas d'une quelconque refrigération".

- Le site du peintre Franck Saïssi : le site perso de cet "artiste nicois contemporain expressioniste déjanté" : découvrez ses huiles, vidéos, photos et le planning de ses expositions.