C'est ce que prétend l'artiste-entrepreneur, qui présente actuellement une série de peintures réalisées par lui-même, dans un non-événement intitulé No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, qui a lieu à la Wallace Collection de Londres, musée prestigieux auquel Hirst a dû payer la somme de 250 000 livres (281 000 euros) contre le droit d'exposer — là, une question d'éthique muséale se pose évidemment, mais passons.

Cette « période bleue » de l'artiste se caractérise donc par un retour à la main : peindre, pour Damien Hirst, est « plus choquant que réaliser des œuvres dans du formol ». Le sujet : la mort encore une fois, cette fois à travers des représentations de crânes bleus sur fond noir, toiles assez médiocres.

Dans un récent entretien au Guardian qui a fait scandale en Grande-Bretagne, Damien Hirst affirme avoir arrêté de peindre à l'âge de seize ans. « Je savais que je pouvais devenir Rembrandt », dit-il, poursuivant : « Je ne crois pas au génie. Je crois à la liberté. Je pense que n'importe qui peut le faire. N'importe qui peut être comme Rembrandt ». En apparence sérieux, l'artiste affirme : « Picasso, Michel-Ange, peut-être, tendent vers le génie, mais je ne pense pas qu'un peintre comme Rembrandt soit un génie. Il s'agit de liberté et de courage. Il s'agit d'une manière de voir. Ça peut s'apprendre. (...) Avec de la pratique, on peut faire de grands tableaux ».

Les critiques ne se sont pas faites attendre, notamment celle de l'artiste Jeremy Deller, lauréat du Turner Prize en 2004 : « N'importe qui ne peut pas peindre comme Rembrandt. Il ne s'agit pas de travailler dur, c'est autre chose, le génie, c'est une qualité pure. Damien Hirst a travaillé très dur, mais à seulement une chose, se vendre. Mais cela fait des années qu'il n'a pas travaillé à être un artiste décent. Depuis dix ans il n'a pas fait grand chose, il s'est juste répété parce qu'il sait que ça lui rapporte de l'argent ».


A voir : No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, à la Wallace Collection, Londres, jusqu'au 24 janvier 2010. www

Photo : vue de l'exposition No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, Wallace Collection, Londres

Juillet 2007 : « l'affaire » du baiser posé par une visiteuse de la Collection Lambert en Avignon sur une toile immaculée du peintre américain Cy Twombly fait grand bruit et finit par porter préjudice non seulement au musée, accusé d'acharnement judiciaire sur une artiste, Rindy Sam, qui avoua avoir voulu accomplir là un « geste d'amour », mais aussi sur le peintre, et plus largement sur tout l'art contemporain, soupçonné, en gros, de se foutre du monde (une toile blanche assurée pour 2 millions d'euros, quel scandale !).

Trois mois plus tard, la Collection Lambert organisait une exposition, J'embrasse pas, qui se voulait une réponse des artistes (Bertrand Lavier, Douglas Gordon, Orlan, Bruce Nauman, Lawrence Weiner...) à cet acte de vandalisme aussi stupide qu'inconscient.

Mars 2008 : les consciences se sont apaisées, le temps de la réflexion est venu, mise en forme grâce à un colloque, intitulé Votre rouge à lèvres a laissé des traces, organisé par Corinne Rondeau, critique et historienne de l'art. Viennent de paraître, sous le titre Dommage(s). A propos de l'histoire d'un baiser, les actes du colloque, complétés par un entretien entre Corinne Rondeau et Eric Mézil, directeur de la Collection, des lettres d'artistes ayant réagi à l'événement, un texte de Denys Riout, spécialiste, notamment, du monochrome, et un autre d'Agnès Tricoire, avocate spécialisée dans la propriété intellectuelle.

Le mépris certain vis-à-vis de Rindy Sam, dont le nom même n'est prononcé que tardivement dans le livre, va de pair avec la méfiance de Cy Twombly lui-même vis-à-vis de la presse, avec laquelle celui-ci n'a pas voulu communiqué, ni lors du vernissage de son exposition, ni après l'incident, et les indéniables erreurs de communication de la Collection Lambert.

On ne peux s'empêcher de penser, tout au long des diverses réflexions menées, à l'ouvrage Le Spectateur émancipé de Jacques Rancière, paru fin 2008, qui dénonce le clivage entre ceux qui savent et les autres, et refuse la position d'un savoir dominant. Car, s'il ne fait pas de doute que l'acte de Rindy Sam est d'une bêtise affligeante et que l'œuvre agressée (une toile blanche incluse dans un triptyque consacré à un dialogue issu du Phèdre de Platon) est d'une immense valeur, on ne peut s'empêcher de se ranger du côté de l'avis de Denys Riout, qui invite à dédramatiser le geste, rapproché du happening et associé à la tentation du toucher à laquelle tout visiteur de musée est confronté.


Dommage(s). A propos de l'histoire d'un baiser, sous la direction de Corinne Rondeau et Eric Mézil, co-édition Actes Sud / Collection Lambert en Avignon, 200 pages, 22 euros.

A lire : la critique de l'exposition de Cy Twombly à la Collection Lambert en Avignon

A la veille de son 90e anniversaire, qu'il fêtera le 24 décembre prochain, le peintre Pierre Soulages se voit gratifié d'une exposition rétrospective au Centre Pompidou, extrêmement tardive dans sa carrière — la dernière exposition personnelle de l'artiste au Musée national d'Art moderne remonte à 1979, une autre a eu lieu au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris en 1996. L'Etat français salue enfin un de ses grands artistes, adulé dans le reste du monde, notamment aux Etats-Unis où il rejoint la légende de la peinture moderne avec Jackson Pollock ou Mark Rothko.

C'est l'occasion de faire le point sur une œuvre entièrement dévolue, en apparence, à la non-couleur, le noir, mais dont on découvre ici l'intention réelle : le travail sur la lumière. Avec une scénographie d'un classicisme zen ultra-efficace (hormis l'une des premières salles, où l'on a ressorti la muséographie « moquette sur les murs », que l'on croyait disparue depuis les années 50), l'exposition du Centre Pompidou montre l'évolution de la peinture de Soulages, des petits formats géométriques des années 40, où l'artiste expérimente le brou de noix et le goudron, aux œuvres peu à peu envahies par le noir, de format anthropométrique — les toiles de taille humaine permettent, selon Rothko auquel on pense beaucoup ici, une absorption totale du spectateur dans l'œuvre. L'accent est mis sur les œuvres des 25 dernières années, dont la plupart, rarement visibles, sont conservées dans des collections particulières.

La quête de Soulages semble infinie : noirs soyeux ou mats, onctuosité de la matière riche qui évoque du pétrole figé ou rugosité de surfaces rappelant le bois d'ébène, rai de lumière qui surgit entre les couches de noir, monolithes rayés, peintures-bas-reliefs... Effet hypnotique garanti.

Découvrez le portrait de Pierre Soulages, ainsi que la galerie de photos.


Soulages, au Centre Pompidou, Musée national d'Art moderne, jusqu'au 8 mars 2010.
Un colloque international consacré à Pierre Soulages aura lieu les 21 et 22 janvier 2010 au Centre Pompidou.
www.centrepompidou.fr

Ill. Pierre Soulages, Peinture 260 x 202 cm, 19 juin 1963, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne

Gérard Traquandi, exposition personnelle à la galerie Laurent Godin, 5 rue du Grenier Saint-Lazare, Paris 3e, jusqu'au 17 octobre. www.laurentgodin.com

Ill. vue de l'exposition Gérard Traquandi à la galerie Laurent Godin, 2009.

C’est une de ces expositions monstre dont Paris a le secret, et c’est au Louvre que ça se passe. La vénérable maison célèbre trois génies, trois rivaux dans la conquête de la lagune. « Titien, Tintoret, Véronèse... Rivalités à Venise ». Le thème est dans l’intitulé même de l’événement, placé sous la houlette de Jean Habert, conservateur général, et Vincent Delieuvin, conservateur, assistés par Arturo Galansino. De la rivalité naît précisément un jaillissement d’idées et de nouveautés qui feront de Venise un pôle essentiel de la création.

Objectif affiché : faire le point sur la peinture vénitienne dans la seconde moitié du 16^e siècle, au moment même où les peintres dévoilent, là-bas, dans leur art, une synthèse unique adaptant le maniérisme de l’Italie centrale. L’exposition s’est ouverte samedi et se poursuit jusqu’en janvier. On en reparle bientôt…

Illus Venus au miroir, Titien. © Courtesy Board of Trustees of The National Gallery of Art, Washington.

Titien, Tintoret, Véronèse... Rivalités à Venise, jusqu’au 4 janvier au Louvre. Site de l’exposition.

Collection Brukenthal, Musée Jacquemart-André,  Paris, jusqu’au 11 janvier.

Illus Le massacre des innocents à Bethléem, de Pieter Bruegel l’ancien et Pieter Bruegel le jeune. Brukenthal National Museum, Sibiu/ Hermannstadt, Romania/ Musée Jacquemart-André

On sait qu’Adolf Hitler était un artiste contrarié.

Dans sa prime jeunesse, sa candidature à l'Académie de Vienne pour y suivre des études d'art, avait été rejetée pour manque de talent.

Il avait pourtant continué à peindre des copies de cartes postales… Un moulin criblé de balles, la ville autrichienne de Weisenkirchen in der Wachen, et une maison avec un pont au bord d'une rivière : voilà ce qu’on peut voir sur trois aquarelles de 1910 et 1911 signées de sa main. Les œuvres seront mises en vente ce samedi –mise à prix 3000 euros- par la salle des ventes Weidler, à Nuremberg.

Les premières œuvres mises sous le marteau par la même structure en avril dernier avait trouvé preneur pour 32 000 euros la paire. Jusqu’ici le record atteint par une toile du Führer était de 118 000 livres (soit près de 140 000 euros), en Grande-Bretagne, en 2006. Doit-on vraiment s’en réjouir ?

Moins célèbres que ses images d'écoliers ou d'amoureux de l'Hôtel de ville, les portraits d'artistes signés Robert Doisneau à la Fondation Angladon-Dubrujeaud.

De Braque à Picasso, d'Utrillo à Arp, de Léger à Dubuffet, le photographe a arpenté les ateliers d'artistes des grands de ce monde, missionnés par plusieurs journaux. Découvrez les clichés qu'il en a tiré avec le diaporama Robert Doisneau : les portraits d'artistes.

Dorothy's gallery, un espace d'art, un espace militant. Après avoir organisé une exposition à la gloire du candidat Barack Obama, à l'automne dernier, le lieu remet ça, avec cette fois une exposition entièrement dédiée... aux Etats-Unis. Après un accrochage au Jardin d'acclimatation, Dorothy poursuit l'événement dans ses murs. Une cinquantaine d'artistes contemporains américains y sont à l'honneur. Peintures, sculptures, dessins, photos, vidéos, collages... Parmi les artistes à l'honneur: Stephen Tamisie, Matthew Rose, Robert Gallagher. Concerts et ateliers d'arts plastiques complètent le menu des réjouissances.

Exposition « Street Art », jusqu’au 13 juin, Galerie Alexis Lartigue.

Il est fou. Il est poète. Il hallucine. Il a la foi. C'est un génie. William Blake est un génie visionnaire, romantique, incompris, si ce n'est maudit, par les prêcheurs de vérité de son époque. Il était temps de consacrer, en France, une exposition entière à l'œuvre du génie : le Petit Palais et le Musée de la Vie Romantique ont réunis près de 150 œuvres, prêtées par les principaux musées britanniques.

Moderne avant les modernes, Blake eut une influence déterminante au XIXe siècle puis au XXe siècle : préraphaélites, symbolistes, surréalistes, ou même philosophes "New Age" (Aldous Huxley) ont pu voir en lui un précurseur secret et exalté. Après Dante et Milton, il fait partie des poètes qui mettent la Bible en vers ou en couleurs et la rendent sexy. Avec Les Chants d'Innocence (1789), Le Mariage du ciel et de l'enfer (1790-1793), L'Amérique et l'Europe (1793-1794), il impose un nouveau procédé - l'imprimé enluminé - des livres illustrés qui alternent poésie et gravure et dont il maîtrise l'entière fabrication, mais bouleverse aussi, par son esthétique, l'ensemble des canons académiques de l'époque.

Evénement pictural comme littéraire, l'exposition du Petit Palais témoigne de toutes les étapes de la carrière du poète graveur : les années d'apprentissage puis le métier de graveur professionnel, les premiers livres enluminés, puis, à partir de 1795, les estampes en couleur qui restent aujourd'hui ses œuvres les plus célèbres. Une place est également consacrée aux reprises des œuvres de Blake dans l'art d'aujourd'hui, avec, notamment, des extraits du Dead Man de Jim Jarmusch.

Voir le diaporama de l'expo William Blake

A l’automne dernier, le musée d’art américain de Giverny fermait ses portes après plus de quinze années d’existence. Objectif affiché : le transformer en musée des impressionnismes, et mettre en lumière les origines, ainsi que la diversité géographique de ce mouvement artistique. Et ce, sur la terre où Claude Monet vécut dès 1883 et qui abrite déjà un musée à son nom. Le site joue en effet les escales cruciales en matière d’impressionnisme, dans la vallée de la Seine.

C’est donc désormais chose faite et, depuis le 1^er mai dernier, l’exposition inaugurale du musée rend hommage à Monet, autour de son jardin.

Au total, une vingtaine de toiles y sont rassemblées parmi lesquelles « Les Nymphéas », à quelques mètres de l’endroit même de leur création. L'exposition entend mettre l'accent sur le double travail créatif du peintre. Grand jardinier et paysagiste, il composa avec art un jardin qui deviendrait ensuite le motif de ses œuvres. Un travail qui se poursuivra sur deux décennies, avant que Monet, en partie affecté par des troubles visuels, se détache de la représentation fidèle du réel.

Illus 1, Monet devant sa maison à Giverny. Anonyme, 1921, autochrome. c Musée d'Orsay. 

Illus 2, Nymphéas.

Exposition « Le jardin de Monet à Giverny : l’invention d’un paysage », jusqu’au 15 août, Musée des impressionnismes de Giverny.

Bienheureux les amateurs d’art contemporain vivant en région parisienne. Alors que La Force de l’art bat son plein au grand palais, voilà quelques jours que Montrouge a également ouvert ses portes.

Peinture, sculpture, dessin, photographie, installation et vidéo, un foisonnement d’art(s) contemporain(s) au 54^e salon de Montrouge, qui  a investi la ville le 30 avril dernier, et se poursuit jusqu’au 20 mai. Avis de vent frais annoncé sur l’événement, chapeauté par un nouveau directeur artistique depuis janvier. Journaliste, collectionneur et galeriste, Stéphane Corréard succède à Alain Lamaignère. Il défend les créateurs français d’art contemporain et de design. « De grands noms de l’art actuel ont été découverts à Montrouge. Ce rôle d’accélérateur de carrières doit être renforcé ».  En outre, le salon quitte le Théâtre pour la Fabrique. Un immense site d’exposition en lieu et place des anciens bâtiments de l’usine Areva, soit 4000 mètres carrés entièrement réagencés par la scénographe Matali Crasset –à qui l’on doit notamment la restauration de l’hôtel design niçois Hi, et l’aménagement de la Maison des Petits, au 104 parisien-.

Au total 80 mini-expositions personnelles sont proposées, avec plus d’espace accordé à chaque artiste qu’à l’accoutumée (ils sont moins nombreux).

Invité d’honneur de cette édition 2009, Arnaud Labelle Rojoux, spécialiste de la performance Illus © Arnaud Labelle-Rojoux.

54^e salon d’art contemporain. Jusqu’au 20 mai, la Fabrique, Montrouge tous les jours de 12h à 20h. Entrée libre.

A quoi Vincent Van Gogh devait-il son oreille coupée, immortalisée par plusieurs de ses toiles ? A un accès de démence, comme l’affirme la version la plus connue de l’histoire, ou à une agression de son ami, Paul Gauguin ?

C’est la dernière option que défendent deux historiens allemands, balançant un véritable pavé dans la mare… de peinture. Plus de cent ans après le drame, survenu dans la nuit du 23 décembre 1888, Hans Kaufmann et Rita Wildegans, deux universitaires de Hambourg, affirment dans un livre que Gauguin aurait agressé Van Gogh avec un sabre avant de prendre la fuite. Ils viendront étayer cette thèse à Bâle le 17 juin à l’occasion de l’exposition sur les paysages de Van Gogh. Pour Thierry Geffrotin, spécialiste français du peintre hollandais, c’est une hérésie. Gageons que ce débat - un de ceux dont le petit monde de l'art, Flu inclus - est friand, n’a pas fini de faire couler de l’encre…

Illus Autoportrait à l’oreille bandée, Vincent Van Gogh.

Ultime expérience du pop-art : peindre la Joconde avec des hamburgers. C'est ce que fait ce jeune artiste américain dans cette étonnante vidéo.

C'est plus qu'un retournement : certes la marchandisation de tout avait conduit l'art à devenir un produit comme un autre, et inversement à faire accéder des objets de consommation courante au rang d'oeuvre (oui oui comme les soupes Campbell). Cette fois le produit devient outil mais la critique sociale est intacte (ouf) puisque la vidéo nous rappelle en creux à quel point c'est gras un hamburger. On attend avec impatience les premières estampes réalisées à la sauce Samouraï.

Lire aussi : le pop art dans tous ses états sur Flu.

Cerise sur le gâteau, le Pavillon France de l’exposition universelle Shangai 2010 invitera les artistes de l’édition 2009 à représenter l’art contemporain français en Chine, du 1^er au 30 juin…
Le Prix Marcel Duchamp, créé en 2000, peut se vanter d’avoir primer des artistes depuis largement reconnus, de Thomas Hirschorn (2000) à Carole Benzaken (2004) en passant par Claude Closky (2005). Le lauréat 2008, Laurent Grasso, exposera ses œuvres à l’Espace 315 du Centre Pompidou du 17 juin au 14 septembre prochain.

Lire ici le compte-rendu des précédentes expos des lauréats à la FIAC. 

C'est la crise? Pourtant l'art moderne et contemporain ne se porte pas si mal, témoin les cotes des artistes, et les succès de récentes ventes aux enchères. Une occasion de confirmer ou infirmer la tendance? C'est dès jeudi, sous la nef du Grand Palais, à Art Paris, passage obligé de la scène artistique internationale. 800 artistes, 115 galeries -dont un tiers de galeries étrangères- présents, pour illustrer toutes les facettes de la création: peinture, sculpture, dessin, photo, vidéo, installations et performances. Cette édition 2009 renforce la présence de la photographie, avec 14 galeries spécialisées, parmi les plus prestigieuses, de Acte 2 à Camera Obscura. Les oeuvres seront présentées sous différents thèmes: portraits de villes, portraits de vies, portraits de corps. Parmi les artistes exposés, Sarah Moon, David LaChapelle ou Paolo Reversi.  Les auteurs de BD, mais aussi les dessins et oeuvres sur papiers auront également la part belle, avec notamment des oeuvres signéesHenri Michaux ou Arnulf Rainer. Des valeurs sûres de la peinture, type Hans Hartung, Poliakoff ou Zao Wou-Ki côtoieront de jeunes talents. Au rang des temps forts annoncés, la rencontre au sommet entre figuration libre et street art, dignement représentés par Hervé di Rosa et Jonone, alias John Andrew Perello. Pour compléter le programme des réjouissances, fiestas pour happy fews, et foultitudes de prix...

Illus Philippe Favier, Sans titre, 2007. Galerie Sollertis.

Art Paris, du 19 au 23 mars, de 11h à 20h30, Grand Palais. 

Ici, on découvre des œuvres spécialement créées par Combas pour l’occasion. L’artiste a repris les ektachromes d’œuvres anciennes, réalisées à partir de pages de magazines arrachées : papier glacé où s’étalent des icônes de la mode, immobiles, qu’il anime.  Ces archives passées sont réutilisées comme bases de nouvelles œuvres peintes, elles aussi photographiées et peintes en grand format. Reproduction de la reproduction, par un processus d’autoinspiration.

En 200 centimètres sur 150, les créations finales signées par l'artiste mêlent photo argentique, peinture aux couleurs pétaradantes et phrases déclinées en lettres majuscules. « J’y comprends plus rien », « Drague-moi comme une chanson d’amour ». Avec ces nouveaux ajouts successifs, il introduit du mouvement et casse le côté figé de la photo.

Voilà une dizaine d’années qu’il se penche sur ce support, en transformant des images existantes. C’est l’une des « pratiques satellites » à sa peinture. Mais quel que soit le support, on retrouve la désinvolture, l’humour, les envolées sensuelles, étranges et parfois un peu violentes, trop « gueulardes » pour certains, qui font sa patte. Sur une cité aux bâtiments verts, cliché urbain, un grand soleil jaune réchauffe une pépette allongée, lascive. Ici encore, son bestiaire étrange, puis une galerie de personnages qui mêle mante religieuse, sainte verte et noire, déesse indienne et statuette pygmée…

S’il rit des autres, il sait aussi rire de lui-même et jouer avec son image. En se qualifiant de « frimeur flamboyant » d’abord. Ou en se représentant dans des postures pour le moins improbables. Voyez cet autoportrait en Roy Loney, en avaleur de sabre et de « cool-œuvre », encore en « teenage-head » ou en saint sacristain dans une culotte de zinc !

Et puis il y ce film captivant qui lui est consacré. On y voit Combas à l’œuvre, on y entend ses confidences, verbe haut, faconde vive. Il commente notamment son travail, les accidents et les fautes qui donnent des oeuvres : « Plutôt que la ligne droite, je peins dans les chemins de traverse et parfois je tombe dans les trous ! C’est assez fatigant ». Mais tellement plus dense.

Illus "J'y comprends plus rien" dr

Exposition Robert Combas, jusqu’au 5 avril, Maison Européenne de la photographie.

C'est désormais officiel : Francisco Goya a une oeuvre de moins à son actif. Le Colosse (illustration) n'est donc pas de lui. Fluctuat vous avait déjà expliqué il y a quelques mois la démarche d'un comité d'experts mandaté par le Prado. Le musée madrilène a publié lundi sur son site le rapport complet.

Ils sont donc formels : "la pauvreté de la technique, de la lumière et des couleurs, de même que la différence marquée entre «Le Colosse» et les œuvres principales attribuées de manière documentée à Goya, deviennent manifestes".

Lesdits experts ont également relevé des hésitations de pinceau qu'on peut difficilement imputer au Maitre mais plus vraisemblablement à l'un de ses disciples.

Les experts Madrid estiment qu'il s'agirait d'Asensio Julia, peintre moins connu qui fut l'assistant de Goya et dont celui-ci a fait le portrait. Le Colosse ne serait d'ailleurs pas la seule oeuvre à avoir été abusivement attribuée au peintre espagnol...

Le Musée d'art moderne de la Ville de Paris rend hommage en cette fin d'année à un artiste mal connu et mal aimé en son pays, Raoul Dufy. La présence dans l'enceinte du Palais de Tokyo (scindé entre la Ville de Paris, qui y loge le MAMVP, et l'Etat, qui y a installé un centre de création contemporaine du même nom), de la fresque La Fée Electricité, réalisée par Dufy pour l’Exposition Internationale des Arts et Techniques à Paris en 1937 et installée en 1964, n'y est sans doute pas étrangère.

Dufy est un peintre mal aimé, on le sait depuis sa mort en 1953. Cette année-là eut lieu en son honneur une exposition au Musée d'Art moderne, à Paris. Depuis, plus rien dans la capitale française. Pourquoi un tel rejet ? Certes, Raoul Dufy ne fut pas un grand peintre, hormis un certain nombre de bonnes toiles visibles au MAMVP, notamment celles de la période fauve, lorsque l'artiste peint les plages de sa Normandie natale dans une effervescence qui mêle l'anecdote Belle-Epoque à la Maupassant à la furie fauve. Le passage au cubisme, comme chez de nombreux peintres, éteint sa palette et raidit son dessin. Puis, lorsque Dufy trouve sa manière, qui consiste à faire déborder la couleur du cadre dessiné et à répéter des marines aux vaguelettes naïves ou des intérieurs faussement matissiens, là, on ne suit plus.

L'agréable surprise de l'expo du MAMVP est donc ailleurs, notamment dans la (re)découverte du talent de Dufy comme graveur et créateur arts déco. Des tissus à fruits dessinés pour le célèbre styliste des Années folles Paul Poiret aux énormes jarres décorées avec audace, en passant par d'intrigantes maquettes d'appartements en céramique ou des projets de mosaïques florales, on saisit là grâce à l'artiste tout le charme d'une époque. Et ses séries de gravures sur bois pour Le Bestiaire ou Le Cortège d'Orphée d'Apollinaire, par le sens de la composition et la délicatesse des contrastes, valent cent fois ses toiles aux couleurs souvent criardes.

Raoul Dufy. Le Plaisir, jusqu'au 11 janvier 2009, au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris.
Ill. Raoul Dufy, Le Serpent, bois gravé, illustration du Bestiaire ou Le Cortège d'Orphée de Guillaume Apollinaire, 1910-1911, Paris, Centre Pompidou, Musée national d'Art moderne

St-art, foire d'art contemporain de Strasbourg, se tient pour quatre jours, du 21 au 24 novembre 2008, non loin du Parlement européen, au cœur d'une région où se côtoient les grands collectionneurs, surtout allemands, suisse ou belges.

Après l'effervescence parisienne des Fiac, Slick, Show Off, Paris Photo, etc., place donc aux foires de plus petite envergure en "régions", qui drainent des publics fort différents — et de fait, des œuvres d'art contemporain moins pointues. Une centaine de galeries (dont 40% d'étrangères), 400 artistes, beaucoup de peinture (Arroyo, Erro, Villeglé, Riopelle, Titus-Carmel), peu de vidéo et encore moins d'installations, mais un bel hommage aux photographes hongrois (Brassaï, Kertesz, Sved...) constituent cette 13e édition strasbourgeoise, qui attire tant le public français qu'étranger (notamment d'Allemagne, de Belgique ou du Luxembourg). A ne pas manquer, le superbe solo show de Paul Rebeyrolle chez le galeriste parisien Claude Bernard.

St-art, du 21 au 24 novembre 2008 au Parc des Expositions de Strasbourg (www)