Le surréalisme à l'ère de sa reproductibilité technique : le paradoxe de l'« explosante-fixe » (expression inventée par André Breton pour expliciter le concept de "beauté convulsive" chère aux surréalistes) trouve son accomplissement dans l'image sur pellicule, qu'elle soit photographique ou filmique. Dans l'entre-deux-guerres, la clique surréaliste ne chercha rien d'autre qu'à mettre au jour le mensonge du réel et son insoumission à toute représentation objective.

L'exposition "La Subversion des images" au Centre Pompidou montre à travers près de 400 œuvres comment les artistes surréalistes ont fait exploser le mythe de l'objectivité du médium photographique, explorant la subjectivité de la vision. Démonstration de cette révolution visuelle en dix images emblématiques dans le diaporama de l'exposition "La Subversion des images".

La Subversion des images. Surréalisme, photographie, film au Centre Pompidou, jusqu'au 11 janvier 2010.
www.centrepompidou.fr
 

A la veille de son 90e anniversaire, qu'il fêtera le 24 décembre prochain, le peintre Pierre Soulages se voit gratifié d'une exposition rétrospective au Centre Pompidou, extrêmement tardive dans sa carrière — la dernière exposition personnelle de l'artiste au Musée national d'Art moderne remonte à 1979, une autre a eu lieu au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris en 1996. L'Etat français salue enfin un de ses grands artistes, adulé dans le reste du monde, notamment aux Etats-Unis où il rejoint la légende de la peinture moderne avec Jackson Pollock ou Mark Rothko.

C'est l'occasion de faire le point sur une œuvre entièrement dévolue, en apparence, à la non-couleur, le noir, mais dont on découvre ici l'intention réelle : le travail sur la lumière. Avec une scénographie d'un classicisme zen ultra-efficace (hormis l'une des premières salles, où l'on a ressorti la muséographie « moquette sur les murs », que l'on croyait disparue depuis les années 50), l'exposition du Centre Pompidou montre l'évolution de la peinture de Soulages, des petits formats géométriques des années 40, où l'artiste expérimente le brou de noix et le goudron, aux œuvres peu à peu envahies par le noir, de format anthropométrique — les toiles de taille humaine permettent, selon Rothko auquel on pense beaucoup ici, une absorption totale du spectateur dans l'œuvre. L'accent est mis sur les œuvres des 25 dernières années, dont la plupart, rarement visibles, sont conservées dans des collections particulières.

La quête de Soulages semble infinie : noirs soyeux ou mats, onctuosité de la matière riche qui évoque du pétrole figé ou rugosité de surfaces rappelant le bois d'ébène, rai de lumière qui surgit entre les couches de noir, monolithes rayés, peintures-bas-reliefs... Effet hypnotique garanti.

Découvrez le portrait de Pierre Soulages, ainsi que la galerie de photos.


Soulages, au Centre Pompidou, Musée national d'Art moderne, jusqu'au 8 mars 2010.
Un colloque international consacré à Pierre Soulages aura lieu les 21 et 22 janvier 2010 au Centre Pompidou.
www.centrepompidou.fr

Ill. Pierre Soulages, Peinture 260 x 202 cm, 19 juin 1963, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne

Cela faisait plus de 70 ans que ce petit trésor du surréalisme, propriété de Daniel Filipacchi, n'avait pas été montré au public. Après l'Albertina de Vienne l'an passé, et la Fundación Mapfre de Madrid au printemps, le musée d'Orsay expose la totalité des 184 collages originaux qui composent Une semaine de bonté ou les sept éléments capitaux, suite réalisée par Max Ernst à l'été 1933 lors d'un séjour dans le petit village de Vigoleno, près de Parme.

S'inspirant des sept jours de la Création du monde et de sept éléments (la boue, l'eau, le feu, le sang, le noir, la vue, Inconnu), les collages d'Ernst plongent avec une terrifiante précision dans les arcanes de l'inconscient. Plus que quelques jours pour découvrir cet univers halluciné, à explorer dans notre diaporama des collages de Max Ernst.

Max Ernst : Une semaine de bonté, les collages originaux, au musée d'Orsay, Paris, jusqu'au 13 septembre 2009. www.musee-orsay.fr

Catalogue, sous la direction de Werner Spies, publié aux éditions Gallimard et de la Fundación Mapfre, 320 pages, 45 €.

Poursuivant sa politique d'accessibilité offerte à tous les publics, le Centre Pompidou propose depuis le 1er juillet dans les espaces d'exposition permanente un « Parcours tactile » conçu en collaboration avec le créateur de lunettes Alain Mikli, dont la société a mis au point une technique d'images gravées réalisées à partir d'un logiciel sur des plaques d’acétate de cellulose.

Le but est de permettre aux personnes déficientes visuelles d'appréhender les formes, les contours et les textures de dix toiles majeures des collections du Musée national d'Art moderne, afin de pouvoir en construire progressivement une image mentale. Les œuvres choisies, cinq modernes (Georges Rouault, Pablo Picasso, Juan Gris, Max Ernst, Pierre Soulages) et cinq contemporaines (Georg Baselitz, Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Jonathan Lasker, Bernard Piffaretti) donnent un aperçu des tendances essentielles de la peinture du XXe siècle.

Avec plus de 473 800 visiteurs, l'exposition Alexander Calder, Les années parisiennes (1926–1933), qui a fermé ses portes le 20 juillet, compte parmi les plus grands succès de l'histoire du Centre Pompidou.

L'exposition prend la première place du palmarès de la Galerie 2, espace ouvert en 2003 au sixième étage de l'institution, coincé entre la Galerie 1, là où on lieu les méga-expos du Centre (actuellement Kandinsky, qui elle aussi semble-t-il va battre des records) et le restaurant Georges. Calder figure parmi les six expositions les plus fréquentées depuis la création du Centre, en 1977.

Il faut dire que Beaubourg fait très fort cet été, non seulement avec ces deux expositions d'art moderne remarquables, consacrées aux grandes figures de Kandinsky et Calder, mais aussi avec elles@centrepompidou, passionnant redéploiement des collections permanentes autour des artistes femmes au quatrième étage, ainsi que deux expositions monographiques centrées sur des artistes contemporains français reconnus sur la scène internationale, Laurent Grasso et Philippe Parreno.

A la rentrée, nous attendent une expo thématique qui promet, La Subversion des images. Surréalisme, photographie, film, et une rétrospective Soulages. Une programmation originale, ambitieuse et d'un sérieux irréprochable. Chapeau.


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Ill. Alexander Calder, Joséphine Baker IV, vers 1928. Paris, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, don de l’artiste, 1966 © 2008 Calder Foundation, New York / ADAGP

Petite sélection d'événements :
. Un voyage dans l'histoire. Izmir – Phocée – Marseille, en juillet : la reconstitution d'un bateau antique, qui voyagera de Marseille à Paris, puis Istanbul via le réseau fluvial, fait revivre le périple des Phocéens qui fondèrent Marseille il y a 2600 ans. www
. Le Pont. Photos de Galata, à l'Orangerie du Sénat jusqu'au 2 août. www
. Café turc au jardin des Tuileries, jusqu'au 8 août
. Veillées du ramadan, avec notamment le chorégraphe Ziya Azazi et le cinéaste Fatih Akin, à l'Institut des Cultures d'Islam, à Paris, du 9 au 19 septembre. www
. Illumination de la Tour Eiffel aux couleurs de la Turquie en octobre
. Trois expositions sur l'art et la culture turcs au Louvre (www) et une grande expo De Byzance à Istanbul au Grand Palais (www) à partir d'octobre
. La Turquie, aujourd'hui, demain à l'Université de tous les savoirs, Paris, du 9 au 18 octobre www
. Festival Dansem, sur la danse contemporaine en Méditerranée, dans la région marseillaise, du 27 octobre au 11 novembre www
. Le mois de la Turquie à la Maison des Métallos en novembre, avec du cirque, une exposition de photographes turcs, du théâtre... www
. Panorama du cinéma turc à la Cinémathèque de Toulouse en novembre www
. Exposition personnelle de l'artiste contemporain Sarkis au Musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg de novembre à avril (www) et intervention au Centre Pompidou en mars 2010
. Une semaine de théâtre turc à l'Odéon du 13 au 19 février 2010 www
. Carnaval de Deux Rives, à Bordeaux, fin février et début mars 2010 www


Le programme complet sur www.saisondelaturquie.fr

Photo © Guillaume Lebrun

On ne sais pas encore grand chose du projet de l'artiste français Xavier Veilhan, dont les œuvres, un an après l'exposition retentissante de Jeff Koons, investiront le château de Versailles pendant trois mois à l'automne prochain.

Voici ce qu'il nous en dit aujourd'hui :

"Il y a un an, lorsque Laurent Le Bon et Jean-Jacques Aillagon m’ont invité à succéder à Jeff Koons, je ne savais pas à quel point Versailles allait envahir ma vie : cette exposition est une occasion formidable de présenter mon travail à grande échelle, de par sa taille et le public concerné. Il faut se confronter aux désirs mis en forme par nos ancêtres, montrer comment nos propres désirs peuvent les prolonger et les compléter, sans innocence, mais avec la fraîcheur des ambitieux.
Déployée principalement à l’extérieur du château sur un axe est-ouest, ma proposition est composée d’un ensemble d’œuvres produites pour l’occasion formant un pointillé contemporain qui partage en deux le domaine magistralement dessiné par Le Nôtre. L’art est un outil de vision au travers duquel il faut regarder pour comprendre notre passé, notre présent et notre futur".

L'expo, qui s'intitulera tout simplement "Veilhan Versailles", incluera une commande publique passée par le Ministère de la Culture, via le CNAP (Centre national des Arts plastiques), auprès de l'artiste. Le Carrosse, pièce de quinze mètres de long et de trois tonnes en tôle pliée et soudée, sera installé dans la cour d'honneur du château. Directement inspiré du véhicule du Roi Soleil, l'œuvre sera réalisée à l'échelle 1, dans une technique de modélisation. Celle-ci, véritable marque de fabrique de l'artiste et de son atelier-« écurie », permet de transférer en sculpture une image créée par ordinateur. Cette simulation en donne un aperçu. A découvrir dès le 13 septembre.

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur la cosmétique, de l'Antiquité à la Renaissance... sans avoir jamais vraiment pensé à le demander.

Le musée de Cluny, musée national du Moyen Age, à Paris, et le musée de la Renaissance à Ecouen (Val d'Oise) organisent conjointement cet été une exposition, « Le Bain et le Miroir », consacrée aux soins du corps et cosmétiques, des thermes romaines aux peignes en ivoire gothiques (Cluny) et aux traités de cosmétologie du XVIe siècle (Ecouen).

Afin d'approfondir le sujet, un sompteux catalogue en forme de traité d'apothicaire, doré sur tranche, est publié par les éditions Gallimard. Chaque objet exposé y est détaillé, du strigile avec lequel l'athlète raclait l'huile et la sueur de sa peau après l'effort, au « bijou de senteur », flacon de parfum que l'on portait en pendentif à la Renaissance.

Saviez-vous que dès le IIIe siècle les Romaines voulaient toutes se teindre en blondes, « regrettant qu'on ne les ait pas fait naître en Germanie ou en Gaule », que les thermes faisaient aussi bibliothèque et bordel, ou encore que le bikini se portait déjà au IVe siècle ?

Le catalogue permet de découvrir notamment la composition chimique des précieux fards et onguents utilisés par nos ancêtres, mis à l'étude avec la collaboration de L'Oréal Recherche et du Centre de recherche et de restauration des musées de France. Comme dans un magazine chez le coiffeur, on peut consulter les différents types de coiffures adoptés par les dames dans l'Antiquité. On y apprend également l'histoire des bains, « des étuves populaires antiques au bain aristocratique », ou l'importance d'un genre pictural, à la croisée du nu et du portrait, celui de la toilette.

Mais on en retient surtout que plusieurs millénaires n'ont pas fondamentalement changé les gestes, codes et dispositifs qui régissent la « toilette », contrairement à la conception de la beauté, qui elle peut varier d'une décennie à l'autre. Miroir, mon beau miroir...


Le Bain et le Miroir. Soins du corps et cosmétiques de l'Antiquité au Moyen Age, au musée de Cluny, Paris (www), et Le Bain et le Miroir. Soins du corps et cosmétiques à la Renaissance, au musée de la Renaissance, château d'Ecouen (www), jusqu'au 21 septembre 2009.

Catalogue, sous la direction de Michèle Bimbenet-Privat, Isabelle Bardiès-Fronty et Philippe Walter, éditions Gallimard, Paris, 352 pages, 49 euros.

 

Les Lights Sculptures d'Alan Vega, généralement en forme de croix, mêlent des néons et des objets divers recyclés, emblèmes de l'univers punk-rock (bouteilles de vodka, images sexuées, esthétique trash), symboles politico-religieux (drapeau américain, Jésus, photos d'officiers US) ou icôniques (Marylin Monroe, photos de boxeurs). Cette esthétique du backstage associe un réseau gordien de câbles et ce qui ressemble aux restes d'un after-show. Si chaque œuvre porte en soi la force de frappe d'un riff de guitare velu, l'accumulation et le trop-plein de sens finit par lasser, comme à la fin d'un concert de rock, quand les oreilles sifflent.

Depuis quelques années, quelques critiques et de nombreux marchands d'art tombent en grâce devant ce que l'on nomme le street art, ou art urbain, tandis que la RATP et autres services de voirie municipales continuent à se battre pour effacer de leurs rames et rues toute manifestation graphique — qu'elle soit artistique ou non.

Comme l'annonçait lundi le Figaro, le street art aujourd'hui se vend à merveille : après une vente consacrée au même thème en décembre dernier chez Artcurial, 480 000 euros ont été récoltés ce week-end par la maison de vente Millon-Cornette de Saint Cyr, lors d'une vente organisée à La Cigale, haut lieu de la nuit rock parisienne. Si les commissaires-priseurs se félicitent du résultat, on remarque tout de même qu'un peu moins d'un tiers des œuvres n'ont pas trouvé preneurs : un succès certes, vu le prix des adjudications (notamment 15 000 euros pour une œuvre de Shaka, artiste français, estimée 4000-6000 euros), mais pas un raz-de-marée non plus.

A noter également que la plupart des œuvres sont réalisées certes à la bombe, mais « sur toile » : or, le street art ne se définit-il pas en premier lieu par son contexte de création, la rue, et non pas l'atelier ? Si les codes du graffiti ont immédiatement été récupérés par la publicité et le design, médiums consommateurs, l'art les avait lui aussi déjà absorbés et digérés dès les années 1980, avec Keith Haring ou Jean-Michel Basquiat : mais ces artistes, une fois acquis un certain niveau de reconnaissance, ne se revendiquèrent plus comme des artistes de la rue, et ainsi se dépolitisèrent largement. Car déplaçant le contexte de l'art, on en déplace le sens : en ce qui concerne le graffiti, la revendication d'une créativité hors des sentiers battus de l'académisme et du marché de l'art est essentielle pour comprendre que c'est un avant tout un geste politique, traduit plus ou moins brillamment (jugement critique qui souffre de ne pas être très politiquement correct, semble-t-il) par une esthétique.

Après l'expo « TAG » au Grand Palais au printemps, une exposition intitulée « Né dans la rue. Graffiti » ouvrira ses portes le 7 juillet à la Fondation Cartier pour l'art contemporain. La manifestation se veut très documentaire, avec photos et vidéos témoignant de la naissance du graffiti à New York dans les années 1970. Par ailleurs, plusieurs artistes sont invités à taguer le bâtiment de Jean Nouvel, et des œuvres seront « créées spécialement pour l’événement ». Sur toile ? On en reparle bientôt dans Flu.

Né dans la rue. Graffiti, du 7 juillet au 29 novembre 2009, à la Fondation Cartier pour l’art contemporain. www.fondation.cartier.com

Ill. Henry Chalfant, Stalingrad, 1985.

Voir égalemet notre sélection de toiles graffées.

Il y a d’abord une exposition, foisonnante au Musée de Montmartre, dans le quartier où Jean Marais passa une partie des dernières années de sa vie.

On y redécouvre l’artiste dans toutes ses facettes, l’acteur, le sculpteur, l’inspirateur, l'amoureux de Jean Cocteau. Avec quelques pièces, précieuses, telles le masque de la Bête dans le film tourné par Cocteau. Puis des affiches, des films, des carnets de tournage etc. Et puis il y aura, bientôt, une vente aux enchères. Après avoir été bloquée pendant une décennie, la succession du comédien sera vendue le 27 avril prochain. Recueil de poèmes annoté par Cocteau, mobilier, tableaux, témoignages, photos, correspondance. L’ensemble, soit 450 pièces au total est estimé entre 500 000 et 700 000 euros. C’est à la fois passionnant, et triste, de voir ainsi dispersée toute une vie sous le marteau, plutôt que réunie dans un musée, pas un mausolée, mais un lieu vivant, de belle mémoire.