Renoir est un immense peintre, ça ne fait aucun doute. Avec Monet, il participe, sur les traces de Manet, à la révolution impressionniste. Ses études des reflets de l'eau, dans des toiles comme La Grenouillère, à la fin des années 1860, vont transformer la vision sur le monde en révélant l'impermanence des sensations. Son Bal du Moulin de la Galette de 1876 reste une œuvre d'une grande complexité visuelle, avec ses reflets de lumière fauves et l'impression de « grand air » qui s'en dégage. Le Clown de 1868 annonce Picasso et Le Chemin dans les hautes herbes de 1875 frôle l'abstraction.

L'exposition du Grand Palais, vue à ce jour par 240 000 visiteurs, ne répond pas à ces questions, préférant justifier le choix ingrat de montrer les dernières toiles de Renoir par le fait que Picasso et Matisse les admiraient. Un extraordinaire portrait dessiné de Renoir par Picasso montre le vieil homme, le regard tendu et acéré. Ses mains sont des poings informes, meurtris par l'arthrose : Picasso montre Renoir non pas comme n'importe quel peintre, mais comme l'Artiste, dans une représentation presque abstraite, hommage de l'artisan de la modernité au passeur de la tradition.


Renoir au XXe siècle, au Grand Palais, Paris, jusqu'au 4 janvier 2010 (www), puis au Los Angeles County Museum, du 14 février au 9 mai 2010, et au Philadelphia Museum of Art, du 17 juin au 6 septembre 2010.
Catalogue Renoir au XXe siècle, sous la direction de Guy Cogeval, co-édition RMN/Musée d'Orsay, 464 pages, 49 euros.

Ill. Pierre-Auguste Renoir, Les Baigneuses, 1918, Musée d'Orsay, Paris © Rmn / Hervé Lewandowski

C'est ce que prétend l'artiste-entrepreneur, qui présente actuellement une série de peintures réalisées par lui-même, dans un non-événement intitulé No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, qui a lieu à la Wallace Collection de Londres, musée prestigieux auquel Hirst a dû payer la somme de 250 000 livres (281 000 euros) contre le droit d'exposer — là, une question d'éthique muséale se pose évidemment, mais passons.

Cette « période bleue » de l'artiste se caractérise donc par un retour à la main : peindre, pour Damien Hirst, est « plus choquant que réaliser des œuvres dans du formol ». Le sujet : la mort encore une fois, cette fois à travers des représentations de crânes bleus sur fond noir, toiles assez médiocres.

Dans un récent entretien au Guardian qui a fait scandale en Grande-Bretagne, Damien Hirst affirme avoir arrêté de peindre à l'âge de seize ans. « Je savais que je pouvais devenir Rembrandt », dit-il, poursuivant : « Je ne crois pas au génie. Je crois à la liberté. Je pense que n'importe qui peut le faire. N'importe qui peut être comme Rembrandt ». En apparence sérieux, l'artiste affirme : « Picasso, Michel-Ange, peut-être, tendent vers le génie, mais je ne pense pas qu'un peintre comme Rembrandt soit un génie. Il s'agit de liberté et de courage. Il s'agit d'une manière de voir. Ça peut s'apprendre. (...) Avec de la pratique, on peut faire de grands tableaux ».

Les critiques ne se sont pas faites attendre, notamment celle de l'artiste Jeremy Deller, lauréat du Turner Prize en 2004 : « N'importe qui ne peut pas peindre comme Rembrandt. Il ne s'agit pas de travailler dur, c'est autre chose, le génie, c'est une qualité pure. Damien Hirst a travaillé très dur, mais à seulement une chose, se vendre. Mais cela fait des années qu'il n'a pas travaillé à être un artiste décent. Depuis dix ans il n'a pas fait grand chose, il s'est juste répété parce qu'il sait que ça lui rapporte de l'argent ».


A voir : No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, à la Wallace Collection, Londres, jusqu'au 24 janvier 2010. www

Photo : vue de l'exposition No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, Wallace Collection, Londres

La journée du 9 novembre 2009, qui célèbre le vingtième anniversaire de la chute du mur de Berlin, est festive, avec ses concerts à la Porte de Brandebourg et son jeu de dominos géant symbolisant l'effondrement physique du mur, mais aussi les réactions en chaîne qui suivirent et le démantèlement du bloc soviétique.

C'est aussi un jour de mémoire. Selon l'ancien chancelier allemand Helmut Kohl, les Allemands « n'ont pas beaucoup de raisons dans leur histoire d'être fiers ». « Il n'y a rien dont je sois plus fier que la réunification allemande », ajoute-t-il. L'actuelle chancelière Angela Merkel a hier inauguré un nouveau musée d'un type un peu particulier, installé dans la Villa Schöningen, à Potsdam, dans la banlieue de Berlin.

Le musée se trouve à proximité du célèbre pont de Glienecke, surnommé le « Pont des Espions », qui servit pendant la guerre froide aux échanges d'espions capturés. C'était, selon l'ancien directeur de la CIA William Colby, « l'un des seuls endroits au monde où Américains et Soviétiques se faisaient face directement. La moitié du pont était à eux, l'autre à nous. Quand nos deux Etats voulaient régler discrètement quelque chose, c'était le meilleur endroit pour le faire ».

Le musée de Potsdam montre des objets et des documents d'époque ainsi que des témoignages sur des bornes interactives vidéo qui racontent ces échanges spectaculaires — il n'y en eut en réalité que trois (en 1962, 1985 et 1986), et ils n'ont concerné que 38 personnes en tout et pour tout. Le plus célèbre de ces prisonniers politiques fut sans doute Nathan Chtcharansky, dissident soviétique condamné en 1977 pour trahison et espionnage, puis libéré en 1986, après neuf ans de goulag. Après son passage à l'Ouest, Chtcharansky devint ministre en Israël.

Le musée possède aussi un petit morceau du mur de Berlin, dédicacé par Mikhaïl Gorbatchev, George Bush père et Helmut Kohl.

Infos

Flu spécial Berlin :

En images : l'expo "Berlin : l'effacement des traces" aux Invalides
En images : Berlin-Est, la rebelle
Fluctuat twitte de Berlin
Entretien : Berlin selon l'écrivain Jean-Yves Cendrey

Photo: Angela Merkel inaugure le musée du Pont de Glienecke, à la Villa Schöningen de Potsdam, le 8 novembre 2009. © Reuters

Le surréalisme à l'ère de sa reproductibilité technique : le paradoxe de l'« explosante-fixe » (expression inventée par André Breton pour expliciter le concept de "beauté convulsive" chère aux surréalistes) trouve son accomplissement dans l'image sur pellicule, qu'elle soit photographique ou filmique. Dans l'entre-deux-guerres, la clique surréaliste ne chercha rien d'autre qu'à mettre au jour le mensonge du réel et son insoumission à toute représentation objective.

L'exposition "La Subversion des images" au Centre Pompidou montre à travers près de 400 œuvres comment les artistes surréalistes ont fait exploser le mythe de l'objectivité du médium photographique, explorant la subjectivité de la vision. Démonstration de cette révolution visuelle en dix images emblématiques dans le diaporama de l'exposition "La Subversion des images".

La Subversion des images. Surréalisme, photographie, film au Centre Pompidou, jusqu'au 11 janvier 2010.
www.centrepompidou.fr
 

A la veille de son 90e anniversaire, qu'il fêtera le 24 décembre prochain, le peintre Pierre Soulages se voit gratifié d'une exposition rétrospective au Centre Pompidou, extrêmement tardive dans sa carrière — la dernière exposition personnelle de l'artiste au Musée national d'Art moderne remonte à 1979, une autre a eu lieu au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris en 1996. L'Etat français salue enfin un de ses grands artistes, adulé dans le reste du monde, notamment aux Etats-Unis où il rejoint la légende de la peinture moderne avec Jackson Pollock ou Mark Rothko.

C'est l'occasion de faire le point sur une œuvre entièrement dévolue, en apparence, à la non-couleur, le noir, mais dont on découvre ici l'intention réelle : le travail sur la lumière. Avec une scénographie d'un classicisme zen ultra-efficace (hormis l'une des premières salles, où l'on a ressorti la muséographie « moquette sur les murs », que l'on croyait disparue depuis les années 50), l'exposition du Centre Pompidou montre l'évolution de la peinture de Soulages, des petits formats géométriques des années 40, où l'artiste expérimente le brou de noix et le goudron, aux œuvres peu à peu envahies par le noir, de format anthropométrique — les toiles de taille humaine permettent, selon Rothko auquel on pense beaucoup ici, une absorption totale du spectateur dans l'œuvre. L'accent est mis sur les œuvres des 25 dernières années, dont la plupart, rarement visibles, sont conservées dans des collections particulières.

La quête de Soulages semble infinie : noirs soyeux ou mats, onctuosité de la matière riche qui évoque du pétrole figé ou rugosité de surfaces rappelant le bois d'ébène, rai de lumière qui surgit entre les couches de noir, monolithes rayés, peintures-bas-reliefs... Effet hypnotique garanti.

Découvrez le portrait de Pierre Soulages, ainsi que la galerie de photos.


Soulages, au Centre Pompidou, Musée national d'Art moderne, jusqu'au 8 mars 2010.
Un colloque international consacré à Pierre Soulages aura lieu les 21 et 22 janvier 2010 au Centre Pompidou.
www.centrepompidou.fr

Ill. Pierre Soulages, Peinture 260 x 202 cm, 19 juin 1963, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne

Cela faisait plus de 70 ans que ce petit trésor du surréalisme, propriété de Daniel Filipacchi, n'avait pas été montré au public. Après l'Albertina de Vienne l'an passé, et la Fundación Mapfre de Madrid au printemps, le musée d'Orsay expose la totalité des 184 collages originaux qui composent Une semaine de bonté ou les sept éléments capitaux, suite réalisée par Max Ernst à l'été 1933 lors d'un séjour dans le petit village de Vigoleno, près de Parme.

S'inspirant des sept jours de la Création du monde et de sept éléments (la boue, l'eau, le feu, le sang, le noir, la vue, Inconnu), les collages d'Ernst plongent avec une terrifiante précision dans les arcanes de l'inconscient. Plus que quelques jours pour découvrir cet univers halluciné, à explorer dans notre diaporama des collages de Max Ernst.

Max Ernst : Une semaine de bonté, les collages originaux, au musée d'Orsay, Paris, jusqu'au 13 septembre 2009. www.musee-orsay.fr

Catalogue, sous la direction de Werner Spies, publié aux éditions Gallimard et de la Fundación Mapfre, 320 pages, 45 €.

Poursuivant sa politique d'accessibilité offerte à tous les publics, le Centre Pompidou propose depuis le 1er juillet dans les espaces d'exposition permanente un « Parcours tactile » conçu en collaboration avec le créateur de lunettes Alain Mikli, dont la société a mis au point une technique d'images gravées réalisées à partir d'un logiciel sur des plaques d’acétate de cellulose.

Le but est de permettre aux personnes déficientes visuelles d'appréhender les formes, les contours et les textures de dix toiles majeures des collections du Musée national d'Art moderne, afin de pouvoir en construire progressivement une image mentale. Les œuvres choisies, cinq modernes (Georges Rouault, Pablo Picasso, Juan Gris, Max Ernst, Pierre Soulages) et cinq contemporaines (Georg Baselitz, Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Jonathan Lasker, Bernard Piffaretti) donnent un aperçu des tendances essentielles de la peinture du XXe siècle.

Avec plus de 473 800 visiteurs, l'exposition Alexander Calder, Les années parisiennes (1926–1933), qui a fermé ses portes le 20 juillet, compte parmi les plus grands succès de l'histoire du Centre Pompidou.

L'exposition prend la première place du palmarès de la Galerie 2, espace ouvert en 2003 au sixième étage de l'institution, coincé entre la Galerie 1, là où on lieu les méga-expos du Centre (actuellement Kandinsky, qui elle aussi semble-t-il va battre des records) et le restaurant Georges. Calder figure parmi les six expositions les plus fréquentées depuis la création du Centre, en 1977.

Il faut dire que Beaubourg fait très fort cet été, non seulement avec ces deux expositions d'art moderne remarquables, consacrées aux grandes figures de Kandinsky et Calder, mais aussi avec elles@centrepompidou, passionnant redéploiement des collections permanentes autour des artistes femmes au quatrième étage, ainsi que deux expositions monographiques centrées sur des artistes contemporains français reconnus sur la scène internationale, Laurent Grasso et Philippe Parreno.

A la rentrée, nous attendent une expo thématique qui promet, La Subversion des images. Surréalisme, photographie, film, et une rétrospective Soulages. Une programmation originale, ambitieuse et d'un sérieux irréprochable. Chapeau.


www.centrepompidou.fr

Ill. Alexander Calder, Joséphine Baker IV, vers 1928. Paris, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, don de l’artiste, 1966 © 2008 Calder Foundation, New York / ADAGP

Petite sélection d'événements :
. Un voyage dans l'histoire. Izmir – Phocée – Marseille, en juillet : la reconstitution d'un bateau antique, qui voyagera de Marseille à Paris, puis Istanbul via le réseau fluvial, fait revivre le périple des Phocéens qui fondèrent Marseille il y a 2600 ans. www
. Le Pont. Photos de Galata, à l'Orangerie du Sénat jusqu'au 2 août. www
. Café turc au jardin des Tuileries, jusqu'au 8 août
. Veillées du ramadan, avec notamment le chorégraphe Ziya Azazi et le cinéaste Fatih Akin, à l'Institut des Cultures d'Islam, à Paris, du 9 au 19 septembre. www
. Illumination de la Tour Eiffel aux couleurs de la Turquie en octobre
. Trois expositions sur l'art et la culture turcs au Louvre (www) et une grande expo De Byzance à Istanbul au Grand Palais (www) à partir d'octobre
. La Turquie, aujourd'hui, demain à l'Université de tous les savoirs, Paris, du 9 au 18 octobre www
. Festival Dansem, sur la danse contemporaine en Méditerranée, dans la région marseillaise, du 27 octobre au 11 novembre www
. Le mois de la Turquie à la Maison des Métallos en novembre, avec du cirque, une exposition de photographes turcs, du théâtre... www
. Panorama du cinéma turc à la Cinémathèque de Toulouse en novembre www
. Exposition personnelle de l'artiste contemporain Sarkis au Musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg de novembre à avril (www) et intervention au Centre Pompidou en mars 2010
. Une semaine de théâtre turc à l'Odéon du 13 au 19 février 2010 www
. Carnaval de Deux Rives, à Bordeaux, fin février et début mars 2010 www


Le programme complet sur www.saisondelaturquie.fr

Photo © Guillaume Lebrun

On ne sais pas encore grand chose du projet de l'artiste français Xavier Veilhan, dont les œuvres, un an après l'exposition retentissante de Jeff Koons, investiront le château de Versailles pendant trois mois à l'automne prochain.

Voici ce qu'il nous en dit aujourd'hui :

"Il y a un an, lorsque Laurent Le Bon et Jean-Jacques Aillagon m’ont invité à succéder à Jeff Koons, je ne savais pas à quel point Versailles allait envahir ma vie : cette exposition est une occasion formidable de présenter mon travail à grande échelle, de par sa taille et le public concerné. Il faut se confronter aux désirs mis en forme par nos ancêtres, montrer comment nos propres désirs peuvent les prolonger et les compléter, sans innocence, mais avec la fraîcheur des ambitieux.
Déployée principalement à l’extérieur du château sur un axe est-ouest, ma proposition est composée d’un ensemble d’œuvres produites pour l’occasion formant un pointillé contemporain qui partage en deux le domaine magistralement dessiné par Le Nôtre. L’art est un outil de vision au travers duquel il faut regarder pour comprendre notre passé, notre présent et notre futur".

L'expo, qui s'intitulera tout simplement "Veilhan Versailles", incluera une commande publique passée par le Ministère de la Culture, via le CNAP (Centre national des Arts plastiques), auprès de l'artiste. Le Carrosse, pièce de quinze mètres de long et de trois tonnes en tôle pliée et soudée, sera installé dans la cour d'honneur du château. Directement inspiré du véhicule du Roi Soleil, l'œuvre sera réalisée à l'échelle 1, dans une technique de modélisation. Celle-ci, véritable marque de fabrique de l'artiste et de son atelier-« écurie », permet de transférer en sculpture une image créée par ordinateur. Cette simulation en donne un aperçu. A découvrir dès le 13 septembre.

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur la cosmétique, de l'Antiquité à la Renaissance... sans avoir jamais vraiment pensé à le demander.

Le musée de Cluny, musée national du Moyen Age, à Paris, et le musée de la Renaissance à Ecouen (Val d'Oise) organisent conjointement cet été une exposition, « Le Bain et le Miroir », consacrée aux soins du corps et cosmétiques, des thermes romaines aux peignes en ivoire gothiques (Cluny) et aux traités de cosmétologie du XVIe siècle (Ecouen).

Afin d'approfondir le sujet, un sompteux catalogue en forme de traité d'apothicaire, doré sur tranche, est publié par les éditions Gallimard. Chaque objet exposé y est détaillé, du strigile avec lequel l'athlète raclait l'huile et la sueur de sa peau après l'effort, au « bijou de senteur », flacon de parfum que l'on portait en pendentif à la Renaissance.

Saviez-vous que dès le IIIe siècle les Romaines voulaient toutes se teindre en blondes, « regrettant qu'on ne les ait pas fait naître en Germanie ou en Gaule », que les thermes faisaient aussi bibliothèque et bordel, ou encore que le bikini se portait déjà au IVe siècle ?

Le catalogue permet de découvrir notamment la composition chimique des précieux fards et onguents utilisés par nos ancêtres, mis à l'étude avec la collaboration de L'Oréal Recherche et du Centre de recherche et de restauration des musées de France. Comme dans un magazine chez le coiffeur, on peut consulter les différents types de coiffures adoptés par les dames dans l'Antiquité. On y apprend également l'histoire des bains, « des étuves populaires antiques au bain aristocratique », ou l'importance d'un genre pictural, à la croisée du nu et du portrait, celui de la toilette.

Mais on en retient surtout que plusieurs millénaires n'ont pas fondamentalement changé les gestes, codes et dispositifs qui régissent la « toilette », contrairement à la conception de la beauté, qui elle peut varier d'une décennie à l'autre. Miroir, mon beau miroir...


Le Bain et le Miroir. Soins du corps et cosmétiques de l'Antiquité au Moyen Age, au musée de Cluny, Paris (www), et Le Bain et le Miroir. Soins du corps et cosmétiques à la Renaissance, au musée de la Renaissance, château d'Ecouen (www), jusqu'au 21 septembre 2009.

Catalogue, sous la direction de Michèle Bimbenet-Privat, Isabelle Bardiès-Fronty et Philippe Walter, éditions Gallimard, Paris, 352 pages, 49 euros.

 

Les Lights Sculptures d'Alan Vega, généralement en forme de croix, mêlent des néons et des objets divers recyclés, emblèmes de l'univers punk-rock (bouteilles de vodka, images sexuées, esthétique trash), symboles politico-religieux (drapeau américain, Jésus, photos d'officiers US) ou icôniques (Marylin Monroe, photos de boxeurs). Cette esthétique du backstage associe un réseau gordien de câbles et ce qui ressemble aux restes d'un after-show. Si chaque œuvre porte en soi la force de frappe d'un riff de guitare velu, l'accumulation et le trop-plein de sens finit par lasser, comme à la fin d'un concert de rock, quand les oreilles sifflent.