Bert Rodriguez est un artiste dit « subversif ». En 2000, dans A Pre Retrospective, les spectateurs pouvaient voir ses dessins d’enfants jusqu’à ses premiers dessins d’étudiant en école d’art.
En 2004-2005, il intitule son exposition The Presents I never gived et réunit les cadeaux qu’il n’a jamais offert à ses anciennes petites amies…

Au Plateau, dans l’espace expérimental il crée In situ, le regard d’un américain sur Paris. Apparemment, l’expo se construira en se construisant… Pour l’instant ce qu’on peut voir est en effet très déstabilisant, mais ne révélons rien…

In situ de Bert Rodriguez au Plateau (www) jusqu'au 25 mai.

Première exposition française de la jeune chinoise déjà très populaire dans son pays Cao Fei, dont le travail reteint l’attention aux dernières biennales de Lyon, Venise et Istanbul.

L’univers de cette jeune plasticienne fait l’effet d’un kaléidoscope. Foisonnantes, disparates, hétéroclites, assez inégales, ses propositions plastiques dressent un portrait multi facettes de la Chine, entre réalité sociale et monde virtuel.

Mangas et autres mondes parallèles

Cao Fei travaille notamment sur des vidéos en 3D typées jeu vidéo, une usine futuriste édulcorée notamment, bonbon pas désagréable avec musique électro-guillerette, mais sans grande profondeur. En face les vagabondages de personnages virtuels, des guerriers ou guerrières mangas qui errent dans des grands espaces. Une atmosphère, entre mélancolie et contemplation, sentiment d’absence et d’inconnu, mais sont sans grande valeur esthétique. Les phrases pseudo existentielles qui les ponctuent sont dignes des conclusions de films croyants américains, très simplistes...
Une première impression plutôt mitigée donc, mais d’autres facettes de son travail retiennent l’attention… vraiment vraiment...

Whose utopia?

Une vidéo loufoque rend compte d’une performance de l’artiste. Un défilé de mode reprend dans des clichés burlesques différents genre de femmes chinoises et tourne au ridicule et à l’absurde leur identité, à grand renfort de costumes débilos et de jeu expressionniste. La concubine, l’intellectuelle, l’ouvrière etc. défilent pour une élection hors normes. Multi- Chine/multi-femmes.
Dans « Whose utopia », la jeune artiste a travaillé en collaboration avec des salariés de l’usine de luminaires OSRAM. Mécanisation, aliénation, travail à la chaine, Cao Fei interroge l’usine et filme avec respect les ouvriers, sans complaisance et sans pathétique. des phrases : « Ma future is not a dream », ou "What are you doing here?" ponctue ses images. Par le biais de l’art, elle invite les ouvriers à décaler leur environnement quotidien oppressant. Elle crée ainsi des aérations dans les espaces viciés de l'entreprise. Dans la vidéo suivante, différentes personnes toutes générations confondues (la grand-mère est top...), dans des tenues de travail ou des uniformes, sont conviés pour un hip hop des rues. Dynamique et vitalisant, le film brosse un portrait de la Chine urbaine, et affirme la volonté de l'artiste de créer des interstices dans les quotidiens parfois pesant et d’insuffler de la joie de vivre.

Illustr1 Yanmy at home©Cao fei et Vitamine Creative Space; illust2 Extrait du film What are you doing here? 2006©Cao fei et Lombard-Freid.

Exposition cao Fei au Plateau, FRAC Ile de France, (www) jusqu'au 25 mai.

Voir le site de Cao Fei.

Peu de découvertes donc dans cette exposition, mais l'essentiel est là, l'œuvre de l'artiste étant assez concise. Quelques petites études jalousement gardées en collections privées feront le délice des amateurs, notamment un petit plâtre rodinien, délicat pied posé sur la pointe, résumant à la fois la force et la délicatesse du modelé de Camille Claudel.
Illus : César, Portrait de Camille Claudel à 18 ans, 1881, papier albuminé, 15,5 x 10,3 cm, Ph. 527, © musée Rodin, Paris, 2008

« Rankin Chop off their heads », Acte 2 Galerie, Paris 8^e jusqu’au 12 avril.

Voilà plus de 30 ans que la photographe, auteure, plasticienne, réalisatrice Sophie Calle creuse le même sillon : celui de l’intimité, en se mettant en scène, en jeu. Elle et ses émotions, elle et ses anniversaires, elle et ses histoires d’amour, elle et son entourage. « Douleur Exquise », qu’on découvrait notamment dans le cadre de l’expo « M’as tu vue » au Centre Pompidou en 2004 et qui fit l’objet d’une superbe publication chez Actes Sud racontait, entre textes et images, comment elle se remettrait tant bien que mal d’une rupture non-annoncée. La rupture toujours, est au cœur du dernier parcours conçu pour la Biennale de Venise (entre juin et novembre 2007) qui débarque enfin à Paris dès aujourd’hui, dans une mise en scène de Daniel Buren. « Prenez soin de vous », c’étaient les derniers mots d’une lettre de séparation à laquelle elle n’a pas répondu. Mais elle en a fait la matière d’une œuvre dense, en demandant à 107 femmes, connues ou moins connues, et venues d’horizons différents, de l’analyser, la jouer, la chanter ou la danser.
« Prenez soin de vous » à la Bibliothèque nationale site Richelieu Paris 2e jusqu’au 8 juin. www

Remix c’est le nom de l’exposition qu'a choisi Georg Baselitz pour ses 70 ans, celui-ci s’est en effet inspiré de ses précédentes toiles pour composer les nouvelles, « réactualiser le motif en lui donnant un nouveau rythme ». Anciennes toiles qui pour certaines avaient fait scandale en leur temps. Il est vrai que tout ceci a quelque chose de sulfureux, mais pas seulement…

La plupart des tableaux exposés représentent, plus ou moins précisément, des scènes d’amour. Ces instants sont tantôt suggérés, tantôt plus érotiques, certaines toiles sont même dignes d’un illustrateur sans scrupule de Charli Hebdo. Des couples la tête en bas, dans la droite ligne du travail du peintre, enlacés, emmêlés et confondus.

Dans l’espace de la verrière on peut voir des peintures à l’huile, au premier, des aquarelles et encres de chine. Les couleurs sont gaies, pastelles, avec des accès plus prononcés parfois. Les traits, légers eux aussi, composent un tout fluide, dansant, emporté dans le tourbillon. Sur certaines toiles des motifs un peu pop, des ronds roses, envahissent l’espace blanc et dynamisent encore les ébats des amants. Sur d’autres des formes abstraites plus géométriques semblent elles au contraire tenter de cadrer un peu, mais sans s’affirmer de trop.
Les hommes sont souvent envahis d’un rouge troublant, au cou, aux chevilles, aux poignets. Cette couleur répandue avec désinvolture est signe d’une certaine violence, doublée d’une certaine fragilité, pour ces articulations chargées d’impulser douloureusement le mouvement vers l’autre. Les femmes sont parfois happées, sans contour clair, un aplat de couleur en mouvement en heurt aux formes définies des hommes, plus décidées.

Et ce qu’il reste est étrange. Parmi tous ces couples, et en contraste on le remarque facilement, il y a quelques individus seuls. Dans la verrière, un homme peint en noir tient dans ses mains sa longue verge noire elle aussi qui se lève vers le ciel. Il ne semble pas être maître de son expression, piteusement perdu, volontairement désespéré, un peu ébahi, un peu absent. Au second, un homme de face est comme écrasé sur la toile et tient à bout de bras deux valises noires. Deux sacs sans contour réellement fixe, dont le contenu apparait du coup plus grand que le contenant et comme envahissant. L’homme tente de s’en défaire, d’éloigner ses bras, il est apeuré mais semble habitué à la peur.

Qu’est-ce donc que ces hommes seuls ? Les valises des déceptions, la verge qui trahit, ce qui alourdit, ce qui commande ? Il semble que ce soit le signe d’une solitude éprouvante en tout cas. On les inviterait bien à changer de toiles, mais ça...ce n’est pas possible.

Illustr Georg Baselitz© courtesy galerie Thaddaeus Ropac

Remix de Georg Baselitz, jusqu'au 29 mars, à la galerie Thaddaeus Ropac (www)

Le visage sombre et décidé de cette jeune artiste américaine renferme un mystère que son exposition nommée An American Index of the Hidden and Unfamiliar dévoile, sans pourtant en livrer le secret. Cette jeune trentenaire s’attache ici à montrer l'autre côté du miroir de l'Amérique, miroir brisé...

Au fur et à mesure du visionnage, l’inquiétante étrangeté qui se dégage des clichés de Taryn Simon nous amène presque à appréhender l’arrivée du suivant.

Est-ce que ce sont ces luminosités sombres qui effraient, comme un voile trouble que l’on jette sur la réalité ? Est-ce l’aspect sordide de ces teintes usées qui dérange ? Ou le contraste des couleurs, qui opère un glissement vers le surnaturel et donne le vertige ? Est-ce le discours qui accompagne chaque photo? Comme autant d'auscultations froides et détachées qui resituent la photographie dans une perspective sociopolitique affligeante.

La photographe livre des situations qui semblent si calmement documentées, un contexte si clairement énoncé, est-ce alors cette rigueur qui égare ?

Il est clair que les thématiques choisis par Taryn Simon nous fragilisent. Son travail semble se situer à l’endroit des dérives obscènes des sociétés. L’endroit où celles-ci dégénèrent.

Ce tigre blanc magnifique est issu d’un croisement. L’animal paie alors sa beauté du prix d’une consanguinité qui la rendu retardé et de fines déformations physiques qui l’empêchent entre autre de respirer normalement. Cette jeune palestinienne dont on ne voit que les jambes vient se racheter un hymen pour un prix monstrueux dans un contexte sordide, tout ça pour ne pas risquer un rejet de sa famille. Et cet endroit où l’on congèle les corps des hommes ou des animaux dans l’espoir qu’un jour on pourra les ramener à la vie.

La photographe, qui expose maintenant ses clichés dans le monde entier, réalise des reportages très fouillés sur des sujets dérangeants. Sa précédente série de photographies The innocent rassemblait des portraits de personnes condamnées pour meurtre puis innocentées. Taryn Simon réfléchissait par ce biais au rôle que joue la photographie dans le dispositif judiciaire américain. Objet nécessaire au procédé d’identification et de condamnation, capable alors de transformer l’innocent en criminel.

La jeune femme s'est également intéressée à la C.I.A comme à Disney, et traque tout ce qui peut se cacher derrière chaque (apparamment) belle vitrine. Inquiétant? On ne sait pas pour qui finalement...

L'exposition An American Index of the Hidden and Unfamiliar est à la galerie Almine Rech (www) (Paris-3ème) du 16 février au 15 mars.

An American Index of the Hidden and Unfamiliar est publié chez Steidl et comporte un avant-propos signé par Salman Rushdie, une introduction rédigée par Elizabeth Sussman et Tina Kukielski, ainsi que des commentaires par Ronald Dworkin.

Illustr. Taryn Simon©galerie Almine Rech

C’est une sentence du formidable poète de la Beat Generation John Giorno qui donne le ton de cet évènement : You’ve got to burn to shine. Sans concession. Ce festival à vocation expérimentale tentera alors de se tracer un chemin en dehors des sentiers battus.

Jérôme Pique, Youness Anzane et Jonah Bokaer en sont les organisateurs (lire l'interview de Youness Anzane sur Mouvement.net).

Le festival se déroulera du 28 février au 3 mars.

Créé l’année précédente sur trois jours avec un (tout) petit budget et beaucoup de convictions, « Il faut bruler pour briller » prend de l’ampleur en s’associant avec la galerie Immanence (www), le Point Ephémere (www) mais surtout Le Vendôme Luxury Trade Show (www). Oui , les performances de ces artistes habitués aux atmosphères smarts et impétueuses des petites galeries berlinoises ou new yorkaises et autres lieux alternatifs européens se dérouleront notamment dans l'enceinte du célèbre hôtel Ritz. Coktail détonnant ? Peut-être… Espérons en tout cas que ça ne sera pas pour décourager les spectateurs en mal de formes singulières.

Les artistes présents interrogeront le mouvement et le corps, l’espace et la durée, l’urbain et l’intime dans des dispositifs qui pourront mêler arts plastiques et vidéos, textes et danse. Différentes pratiques artistiques qui permetteront d'inciser notre monde contemporain.
Les artistes invités se sont formés (ou « déformés » comme le dit sans complexe Johanna Kortals Altes) dans les principales écoles d’art, de danse, de théâtre ou de chant (plus ou moins académiques) européennes.
Ils éprouvent alors, aujourd’hui, le besoin de développer des formes hybrides aux sensiblités aiguisées.

« Il faut bruler pour briller », c’est pouvoir :

- assister à un concert combatif du performer New-Yorkais Jérémy Wade accompagné du multi-instrumentiste Brenda Dougherty (Ritz-Le Dôme).

-Trouver des réponses à la question suivante : « Pourquoi être artiste quand on peut parler d’art et appeler son chat angora Orson et son caniche Muddy Waters ? » avec Jonathan Drillet et Marlène Saldana (créateurs de « The united Patriotic squadras of blessed Diana ») (Ritz-Le Dôme).

-Voir les étranges photos de visages aux yeux fermés de Géraldine Chailloux (Hôtel Meurice-entrée).

-regarder un remake de films (parmi lesquels : Masculin/féminin et Le Mépris de Jean-Luc Godard, Le Bonheur de Agnès Varda, La Ballade de Bruno de Werner Herzog, Pillow book de Peter Greenaway etc.) réalisé par Garance Dor. Artiste qui s’inspire des notions de reconstitution, pastiche, transposition et évocation (Galerie Immanence).

- Visionner le film anthologique du chorégraphe émérite Daniel Larrieu Waterprooff avant de voir celui-ci investir le grand palais le 10 mai pour l’exposition Monumenta de Richard Serra (Ritz-entrée).

-S’étonner devant les étranges chorégraphies en sac de couchage et autres éléments bizarres de Laure Bonicel, performance judicieusement nommée Sleeping bag (Ritz-entrée).

-assister à la proposition de Caroline Breton d’une forme chorégraphique pour deux corps et un tourne disque nommé Turn on/Turn off (Point Ephémère).

Et etc. etc. etc.

Le programme est disponible sur le site de Il faut bruler pour briller

(Illustr: Biostriptease de Katia Feltrin, Waterproof de Daniel Larrieu, Visages de Géraldine Chailloux)

Il faut bruler pour briller, du 28 février au 3 mars, à l'hôtel Ritz, l'hôtel Hyatt, l'hôtel Meurice, la galerie Immanence (paris 15) et le Point Ephémère (Paris 10).

A suivre...

Laurina Paperina, britney Spears is the new Duchamp, 2008, courtesy galerie Magda Danysz

Laurina Paperina, « petite Laura, petit canard » c’est le pseudo qu’a choisi cette jeune artiste italienne de 28 ans qui n’a pourtant pas froid aux yeux, ni aux oreilles ni aux pieds non plus d’ailleurs. Celle-ci signe des œuvres plastiques entre BD et dessin animé, a pour influence principale Keith Haring et Jean-Michel Basquiat et détourne notre sacro sainte culture bien aimée des années 1990: nos batman en estropiés, nos Schtroumpfs en "Smurf", bref toutes nos icônes, Elton John etc. sans pitié aucune pour notre sensibilité (des plus jeunes).

Sur les dessins de Laurina Paperina on peut voir Joseph Beuys qui se fait mordre par son célèbre coyote, Paris Hilton nue les jambes écartées qui s’arrache un morceau de crâne pour révéler un mythique « Welcome in Paris » ou encore Bill Gates transformé en Guillaume Tell des temps modernes qui tire sur les " Apple" de Steve Jobs. Autant d'exemples qui exposent l'univers de la jeune plasticienne inspirée par la culture TV et internet, les mangas et les jeux vidéos. Ses dessins traitent de façons décalées l'actualité politico-artistico people .

« Les personnages qui peuplent mon travail sont comme des « ironies peintes », ils sont le fruit de mon imagination, des formes dynamiques, des couleurs flamboyantes et des morceaux de réalités virtuelles qui ressemblent à un jeu vidéo où fiction et apparence interagissent et simulent la réalité. »

Laurina ne cache pas qu’elle tire un certain plaisir de l’aspect subversif de ses productions…

Laurina Paperina, How to kill Murakami,  2008, courtesy galerie Magda Danysz

Sa première exposition française Un pied dans la tombe est à découvrir à la galerie Magda Danysz (Paris) jusqu'au 29 mars: http://www.magda-gallery.com/, ses petits cartoons et autres dessins dark-mais-revitalisants sont sur son site : http://www.laurinapaperina.com/home.htm

Un peu vieillot et poussiéreux l'Arc de triomphe ? Plus tout à fait... Si la précédente scénographie du monument, l'un des plus visités de Paris (1,3 millions de touristes chaque année) datait de 1937, il vient d'entrer dans l'ère interactive avec la mise en place d'une exposition multimedia permanente sur son histoire. On y découvre notamment, depuis cette semaine, une exposition des arcs les plus connus au monde - pas moins de 77! - et une salle qui fait apercevoir en transparence le parvis et la flamme du souvenir sous ses pieds. Et puis les grandes étapes de sa destinée, depuis sa construction décidée par Napoléon jusqu'à nos jours. Sur la terrasse, une vue panoramique qui donne sur les avenuess Friedland, Iéna, Marceau et embrase toute la cité, ainsi qu'un système de "réalité augmentée" signé d'un laboratoire parisien de recherche sur la création numérique...


Arc de Triomphe www

C'est le nouveau fils chéri de l'art contemporain français. Loris Gréaud entre au Palais de Tokyo, et par la grande porte s'il vous plait. A tout juste 30 printemps, l'artiste investit tout l'espace du site -4000 mètres carrés- avec "Cellar Door", un gigantesque organisme généré par une partition distendue dans l'espace et le temps. Présentée comme une "usine rêvante", l'exposition se présentera en mouvement: oeuvres mouvantes, habillage sonore et lumineux, failles spatio-temporelles s'activant en temps réel. Autres réjouissances annoncées, des bonbons sans goût, du champagne noir, et une forêt de sculptures d'arbres. Ca vient de commencer, ça durera trois mois. On y revient très vite sur Flu.

"Cellar door", palais de Tokyo jusqu'au 27 avril 2008.

Il ne reste que quelques jours pour aller découvrir l’étonnante exposition Vision tenace, présentation du 2^ème volets des Arts Posters, affiches du duo de graphistes M/M (Paris). 32 créations à la lisière du graphisme et de l’art contemporain retracent depuis 1999 les collaborations de Michaël Amzalag et Mathias Augustyniak avec des artistes, des cinéastes ou des commissaires d’expositions de la scène contemporaine comme Pierre Huyghe , Carsten Höller, Hans Ulrich Obrist, Melvil Poupaud, Sarah Morris, Rirkrit Tiravanija… Une muséographie stimulante où l’on peut voir des papiers peints psychédéliques qui s’étirent jusqu’au sol, accueillant de mythiques sucettes translucides. Ces deux stars du graphisme reprennent en interview la définition du sémiologue Charles S. Peirce, affirmant créer des « icones, indices, symboles » afin d’exprimer leur point de vue singulier sur le monde. Leur choix de s’affirmer comme graphistes (et non comme plasticiens) trouve son origine dans une volonté de récupérer les outils de production de l’ère du tout-produit afin d’en détourner la substance, et de créer ainsi un dernier rempart esthétique à la marchandisation…

Audacieux!

This Is Not A Time For Dreaming, d'après l'affiche du film de Pierre Huyghe , copyright M/M Paris, galerie Air de Paris.

Los Angeles, d'après l'affiche du film de Sarah Morris, copyright M/(Paris), galerie Air de Paris.

Vision tenace jusqu’au 18 février au Centre Georges Pompidou,

Les M/M sont également présents à la galerie Air de Paris, à Paris, jusqu’au 8 mars.

Jusqu'au 3 mars le Centre Georges Pompidou propose une mise en abyme ludique en consacrant une exposition aux travaux de son propre architecte, le britannique Richard Rogers. Sur 1150m2 s’étalent des maquettes réalisées dans différents matériaux, futuristes avec des animations lumière, ou plus sobres, en bois, fines et précises, des photos et des croquis papiers, fusains, feutres, le tout sous des bannières presque fluos.
Ne pas être décorateur mais bien organisateur de la vie, voilà le fer de lance de l’architecte aux idéaux humanistes préoccupé par le développement durable et la gestion de l’urbain. D'immenses baies vitrées ouvrent l’expo sur la fontaine de Jean Tinguely et Niki de Saint Phalle. et le mouvement des piétons, la perméabilité, la flexibilité et la clarté de ce dispositif font parfaitement écho au travail de l’architecte.

Richard Rogers et Renzo Piano, jeunes trentenaires peu académiques conceptualisent Beaubourg au début des années 70. (Rogers est aujourd’hui le dernier lauréat en date du Pritzker Price, équivalent du Nobel pour les architectes).

Comme un monstre tubophage qui nargue de ses conduits d’aérations et autres systèmes de climatisation le quartier des Halles, le Centre Pompidou fut détesté durant sa création jusqu’à son inauguration en 1977. « Une raffinerie de pétrole inachevée », « un King Kong culturel » pouvait-on lire dans la presse… Fort de son architecture funky qui se prémunit d’ une culture ampoulée, véritable réussite en matière de démocratisation culturelle, il s’impose aujourd’hui comme un passage obligé et qui plus est de qualité.

Bel hommage donc…

Rogers + architectes, jusqu'au 9 mars au Centre Georges Pompidou.
Illustration : Centre Pompidou, Paris, France, 1971-1977, Renzo Piano et Richard Rogers © Katsuhisa Kida

Dans le cadre de la semaine de mobilisation pour le Darfour, la Ville de Paris accueille l'exposition Darfur/Darfur dans le Jardin du Trocadéro. Les 150 photographies de l'exposition seront projetées en plein air, devant le bassin du Trocadéro, chaque soir de 18 heures à minuit. Lancée en septembre 2006 à la Galerie James Cohan de New York, cette exposition a ensuite été projetée au Musée Hammer de Los Angeles, au Mémorial de l'Holocauste de Washington ainsi que dans de nombreuses autres villes du continent nord-américain. Puis elle a investi le Centre de l'Holocauste à Cape Town, le Musée Israelite de Berlin, ou encore le Centre de la Photographie (FORMA) de Milan, à Istanbul. Elle réunit 150 photographies prises au Darfour et au Tchad entre 2003 et 2007 par sept photographes de renommée internationale : Mark Brecke, Helene Caux, Ron Haviv/VII, Paolo Pellegrin (Magnum), Ryan Spencer Reed, Michal Ronnen Safdie et Lynsey Addario, ainsi qu'un ancien soldat de la marine américaine : Brian Steidle. Pour Leslie Thomas, commissaire de l'exposition, « Paris est depuis toujours la capitale de l'Art et des Droits de l'Homme, il était donc essentiel que cette exposition y soit projetée pour que les Français et à travers eux, la communauté internationale, restent mobilisés en faveur de la paix au Darfour. »

Darfur/Darfur. Du 13 au 17 février dans les jardins du Trocadéro, Paris.

D'Afghanistan au Rwanda, du Pakistan à la Bosnie, on lui doit quelques unes des photos les plus saisissantes en matière de photoreportage de ces dernières décennies. James Nachtwey va s'exposer au Laboratoire, lieu d'exposition singulier, qui a ouvert ses portes récemment à Paris. Avec un thème précis, les maladies infectieuses: tuberculose, sida, qui dévastent des pans entiers de population. Des images dont la puissance est accentuée par un noir et blanc qui claque. "J'ai été un témoin, ces image sont mon témoignage. Les événements que j'ai enregistrés ne devraient pas être oubliés, et ne doivent pas se répéter", clame James Nachtwey. S'il pouvait être entendu..

Expo James Nachtwey au Laboratoire, Paris, du 10 février au 15 mars. www

Pleins phares sur Pierre Paulin, le designer français qui, à 80 printemps, se voit consacrer toute une exposition à la galerie des Gobelins. Après "Trésors dévoilés 1607-2007", expo inaugurale du lieu, les Gobelins rendent désormais hommage à l'un des plus grands designers français sous le titre "Pierre Paulin, le design au pouvoir". L'occasion d'évoquer 40 ans de collaboration et de donner à découvrir, au fil de 80 pièces ses créations d'hier et d'aujourd'hui, ses commandes élyséennes et autres sièges d'avant-garde (fauteuil Mushroom, chaise longue Tongue illus et Ribbon Chair, aujourd'hui des pièces cultes). Le parcours se décline sous quatre thèmes: de la modernité de l'administration, le grand escalier, un décor d'avant-garde pour l'Elysée, nouvelles assises. On réalisera aussi que le créateur en a inspiré nombre d'autres, de Starck à Konstantin Gcric. Un bonheur n'arrivant jamais seul, l'expo française se double de l'exposition belge "Paulin designer supermoderne" et d'une vente fleuve chez Artcurial le 12 mars. Ceux qui n'ont pas forcément les moyens se consoleront avec le catalogue à paraître...

"Pierre Paulin, le design au pouvoir", jusqu'au 27 juillet, galerie des Gobelins. www

Qui aime aller flâner à la Maison Européenne de la photographie sait que chaque salle y réserve des bonheurs différents. L'attraction du moment, c'est bien sûr l'exposition Edouard Boubat, qui consacre l'artiste humaniste sur une centaine de clichés doux-heureux. Mais ne quittez pas les lieux sans être montés d'un étage, pour voir la rétrospective consacrée au photographe Shoji Ueda (1913-2000) Méconnu en France, ce grand nom japonais mérite pourtant qu'on découvre son travail, notamment sa série emblématique consacrée aux dunes, réalisée entre 1945 et 1951. Dans un cadre de bord de mer, et de sable, il a photographié sa famille, ses amis et ses proches avec élégance et jeux d'ombres et lumières parfaitement stylisés. Ce décor naturel lui offre un fond unique, dont il aimait dire: "Les dunes c'est mon studio. On ne peut pas trouver d'arrière-plan plus parfait, car l'horizon est étirable à l'infini. La dune est un paysage presque naturellement photographique. C'est la nature, réduite à un fond unique"... Grains de sable, grains de la peau, grain photographique se mêlent dans une ligne subtile. "Une ligne subtile", c'est précisément le titre de l'exposition... Illus © Shoji Ueda Office Tokyo, Japon. Dunes, portrait de m. Sohji Yamakawa, 1984.

"Une ligne subtile", rétrospective Shoji Ueda à la MEP, Paris jusqu'au 30 mars.

C'est une plongée foisonnante dans la vie et l'oeuvre du chorégraphe Roland Petit que propose en ce moment l'Opéra de Paris. Lecture des ballets du chorégraphes, oeuvres des artistes qui ont jalonné son chemin et celui de sa muse, Zizi Jeanmaire, de Pablo Picasso à Yves Saint-Laurent en passant par Jean Cocteau: 240 maquettes de costumes, 60 maquettes de décors, 35 costumes originaux et 14 peintures ou dessins se dévoilent à l'Opéra Garnier. En complément passionnant, la projection de cinq ballets phare signés du chorégraphe et interprétés par le ballet national de Marseille: "Notre-Dame de Paris", "Clavigo", "Proust ou les intermittences du coeur", "Le Jeune homme et la mort", "l'Arlésienne". Illus Portrait de Roland Petit par Jean Cocteau © Adagp, Paris 2007.

Exposition Roland Petit à Garnier, jusqu'au 21 avril 2008. www

Taxi Tram, le 26 janvier. Programme et réservation www

En attendant la vaste exposition "Duchamp, Man Ray, Picabia" qui s'apprête à investir la Tate londonnienne, vous pouvez toujours aller vous balader à la galerie 1900-2000. Galerie dont l'artiste Ben s'amusait à écrire dans une de ses oeuvres: "son stand est celui qui présente le plus de chefs d'oeuvre et de créativité au meilleur prix au mètre carré"! Voilà pour la petite histoire. Dans ce haut lieu de l'art qui vient de célébrer ses 35 ans d'existence, Francis Picabia, que le peintre allemand Georg Baselitz qualifiait de "bourgeois fou" s'expose en 26 dessins rares, une série conçue pour la revue "Littérature" d'André Breton. Des oeuvres qui sommeillaient depuis de longues décennies et étaient pour la plupart inédites jusquici. La fille d'André Breton les aurait retrouvées dans une enveloppe -que la galerie expose d'ailleurs en vitrine. Illus dr

Dessins de Francis Picabia pour la revue "Littérature", galerie 1900-2000, Paris 6e. www

Les expos se suivent et ne se ressemblent pas à la Pinacothèque parisienne. Après l'exposition Soutine qui s'achèvera en mars prochain, le site dévoile une des plus incroyables découvertes archéologiques du XXe siècle: les légions enterrées de l'empereur Qin, premier empereur de Chine. Cet ensemble unique en terre cuite, découverte près de Xian dans le mausolée de l'empereur est aussi appelé "Guerriers de Xian". Il appartient pour une large part au Musée d'art et d'histoire de la province de Shaouxi. Selon le magazine L'Express, le coût de l'exposition est estimé à 2 millions de dollars, en raison du prix élevé des assurances. Il faudra donc que le public réponde présent...

Les guerriers de Xian à la Pinacothèque, du 15 avril au 14 septembre. www

Le 10 octobre dernier commençait, à la Pinacothèque de Paris, une exposition consacrée à Chaïm Soutine, peintre secret, juif émigré, expressionniste tourmenté. Ce proche de Modigliani voit aussi son histoire liée à la légende de Montparnasse. Depuis 1973, et celle de l'Orangerie, aucune exposition d'envergure ne lui avait été consacrée à Paris. C'est donc chose faite. Au total quelque 80 oeuvres, pour beaucoup exposées pour la première fois e restaurées spécialement pour l'occasion. Le tout sous la houlette de Marc Restellini. L'exposition qui devait s'arrêter en janvier est prolongée jusqu'au 2 mars. Illus "Maternité" © Collection Privée/ ADAGP Paris.

Soutine à la Pinacothèque de Paris jusqu'au 2 mars 2008. www