L'étagère Bookworm (1993) et la chaise Tom Vac (1997), quelques-unes des pièces emblématiques du travail de Ron Arad, qui ont rejoint la collection de design du Musée National d'art moderne.

Né à Tel Aviv, il a fait ses classes à la Jerusalem Academy of Art puis à l'Architectural Association School de Londres avant de s'y installer. Ce créateur en liberté affiche un emblème, l'ellipse, et un credo: "No discipline" (c'est le titre de l'expo fleuve qui vient de commencer au Centre Pompidou). "No frontiers", pourrait-on ajouter, tant son travail est à la croisée des arts plastiques, du design et de l'architecture. La rétrospective parisienne dévoile des pièces majeures, des prototypes accompagnés d'audiovisuels, des série limitées ou objets produits à l'échelle industrielle. Egalement des créations spécifiques. Audace, talent, inventivité foisonnante à l'oeuvre.

Ron Arad, "No Discipline", Centre Pompidou jusqu'au 26 janvier. www 

Biennale internationale du design, Saint-Etienne, du 15 au 30 novembre. www

Ill. Ji Ji, Hi Panda, modèle de jouet © Ji Ji, 2006

Le designer hollandais Joep Van Lieshout est célèbre non seulement pour son mobilier minimal et coloré, mais également pour ses projets utopiques d'unités habitables, réalisées au sein de l'Atelier Van Lieshout, à Rotterdam. Dans ces immenses ateliers de production, Van Lieshout et son équipe ont notamment réalisé une WombHouse (Maison-Utérus), un BikiniBar en forme de buste féminin, ou encore un BarRectum, également appelé AssholeBar ou BarAnus...

On aura deviné que l'aspect organique est essentiel dans le travail de l'AVL. Leur projet le plus récent n'y échappe pas. Présenté actuellement à la galerie Jousse Entreprise, à Paris, il consiste en la déclinaison en plans, objets et maquettes d'une « Cité des Esclaves » (Slave City) vouée au productivisme le plus forcené, consommant simultanément hommes et énergie.

Le plus terrifiant ici est que rien n'a été laissé au hasard. Le chiffre exact de 7,8 milliards d'euros net de profit annuel est avancé. La ville, dont le plan adopte le dessin d'un phallus, vit en parfaite autarcie grâce au travail de ses 200 000 habitants (100 000 femmes, 100 000 hommes), préalablement triés dans un Welcoming Center (les candidats déficients sont recyclés, au sens écologique du terme). Ils travaillent 14 heures par jour : 7 heures dans un Call Center, 7 heures dans des champs ou ateliers. Après l'effort, le réconfort : 3 heures sont consacrées à la relaxation dans deux bordels, un pour les hommes (figuré en forme d'utérus), l'autre pour les femmes (en forme de long spermatozoïde), où les hommes doivent se livrer à des combats acharnés avant d'atteindre l'arène où les femmes pourront les choisir.

De manière ironique, le caractère organique de Slave City fait écho à l'obsession écologique actuelle, tandis que son implacable efficacité remémore les terrifiants rouages nazis de la « solution finale » : tout y est recyclable, même les hommes.

Recyclés également, cette fois-ci pour et par le marché de l'art, les maquettes et plans de l'Atelier Van Lieshout sont transformés en mobilier : la maquette du Welcoming Center est un mini-bar, le plan des Headquarters fait office de table basse, etc. Une bonne dose d'humour neutralise ainsi cette vision de cauchemar.

Atelier Van Lieshout (www), Slave City, jusqu'au 26 juillet 2008, galerie Jousse Entreprise, Paris (www)

Ill. Atelier Van Lieshout, vue et maquette du 5 star brothel for males, 2005, © Atelier Van Lieshout

Il ne reste que quelques jours pour aller découvrir l’étonnante exposition Vision tenace, présentation du 2^ème volets des Arts Posters, affiches du duo de graphistes M/M (Paris). 32 créations à la lisière du graphisme et de l’art contemporain retracent depuis 1999 les collaborations de Michaël Amzalag et Mathias Augustyniak avec des artistes, des cinéastes ou des commissaires d’expositions de la scène contemporaine comme Pierre Huyghe, Carsten Höller, Hans Ulrich Obrist, Melvil Poupaud, Sarah Morris, Rirkrit Tiravanija… Une muséographie stimulante où l’on peut voir des papiers peints psychédéliques qui s’étirent jusqu’au sol, accueillant de mythiques sucettes translucides. Ces deux stars du graphisme reprennent en interview la définition du sémiologue Charles S. Peirce, affirmant créer des « icones, indices, symboles » afin d’exprimer leur point de vue singulier sur le monde. Leur choix de s’affirmer comme graphistes (et non comme plasticiens) trouve son origine dans une volonté de récupérer les outils de production de l’ère du tout-produit afin d’en détourner la substance, et de créer ainsi un dernier rempart esthétique à la marchandisation…

Audacieux!

This Is Not A Time For Dreaming, d'après l'affiche du film de Pierre Huyghe, copyright M/M Paris, galerie Air de Paris.

Los Angeles, d'après l'affiche du film de Sarah Morris, copyright M/(Paris), galerie Air de Paris.

Vision tenace jusqu’au 18 février au Centre Georges Pompidou,

Les M/M sont également présents à la galerie Air de Paris, à Paris, jusqu’au 8 mars.

Pleins phares sur Pierre Paulin, le designer français qui, à 80 printemps, se voit consacrer toute une exposition à la galerie des Gobelins. Après "Trésors dévoilés 1607-2007", expo inaugurale du lieu, les Gobelins rendent désormais hommage à l'un des plus grands designers français sous le titre "Pierre Paulin, le design au pouvoir". L'occasion d'évoquer 40 ans de collaboration et de donner à découvrir, au fil de 80 pièces ses créations d'hier et d'aujourd'hui, ses commandes élyséennes et autres sièges d'avant-garde (fauteuil Mushroom, chaise longue Tongue illus et Ribbon Chair, aujourd'hui des pièces cultes). Le parcours se décline sous quatre thèmes: de la modernité de l'administration, le grand escalier, un décor d'avant-garde pour l'Elysée, nouvelles assises. On réalisera aussi que le créateur en a inspiré nombre d'autres, de Starck à Konstantin Gcric. Un bonheur n'arrivant jamais seul, l'expo française se double de l'exposition belge "Paulin designer supermoderne" et d'une vente fleuve chez Artcurial le 12 mars. Ceux qui n'ont pas forcément les moyens se consoleront avec le catalogue à paraître...

"Pierre Paulin, le design au pouvoir", jusqu'au 27 juillet, galerie des Gobelins. www

L'association Louise 13 (www) regroupe plusieurs galeries d'art contemporain et de design dans un petit périmètre du 13ieme arrondissement de Paris. Louise 13 est en mouvement perpétuel. On peut entendre en cela deux choses distinctes. Mouvement, car depuis quelques temps, certains galeristes qui y étaient établis ont préféré retourner dans le centre de Paris, histoire de retrouver les copains du Marais, des loyers exorbitants et un public - qui croyait que le treizième c'était la banlieue : trop loin et pas assez de BHV ! Mouvement, car Louise 13 n'a de cesse de renouveller ses propostions avec chaque mois de nouvelles expositions et un vernissage collectif. Design, photographie, installations, peinture... Effervescence garantie.

Mise en bouche visuelle de ce qui se passe en ce moment autour de la Rue Louise Weiss.

Saxo (Signal Yellow), Rory Macbeth, 2003. Courtesy Galerie Sarah Guedj, Paris.

Tabouret, François Bauchet, 2007. Tabouret "Fantasia", Elizabeth Garouste, 2007 © Fabrice Gousset. Courtesy Galerie Kréo, Paris.


Détail, vue de Très lié, photo d'Elina Brotherus, extraite d'une installation de 45 photographies couleur encadreées avec verre gravé, Large du vue, Hommage à Eric Satie, 2006. Courtesy gb agency, Paris.

Algeco, quai de la Moselle, Calais, juillet 2006, Bruno Serralongue, 2006. Coutesy Air de Paris, Paris.

Expositions Louise 13,

Autour de la rue Louise Weiss, Paris 13ieme.

Jusqu'au 24 novembre.

Doyon-Rivest fait de la réclame. Et c'est tant mieux ! " Nous sommes un duo d'artistes basés à Québec. Nous détournons le commerce au profit de l'art par des oeuvres photographiques ou installatives.
Nous vous invitons chaleureusement à visiter notre site web." Ce que nous avons fait et en avons profité pour découvrir un travail amusant, aux frontières du design et des arts graphiques.

Présentation détaillée du produit : " Doyon-Rivest est un duo d’artistes s’inspirant des méthodes et de l’esthétique de l’industrie publicitaire pour créer des œuvres d’art. Le cœur de notre production consiste en la création de notre propre marque et en l’utilisation de celle-ci comme mode de communication. Notre logo/signature en est la pierre angulaire. " Extrait de l'oeuvre : De bien bons calculs (illus.), DR.
La visite débute par ici.

L'année 2006 sera (ré)créative... ou ne sera pas. La preuve avec cette citation visuelle de l'illustrateur japonais Toru Fuduka .
Meilleurs voeux 2006 de toute l'équipe du blog De visu.

Le designer, théoricien et artiste John Maeda présente sa première exposition personnelle à Paris, Nature, à la Fondation Cartier. Dilemne, où cliquer ? Choisir le free tour de l'exposition ou télécharger ses special e-cards ?
MAJ (17/01/06) : Lire le portrait de John Maeda sur Flu, le mag