Le surréalisme à l'ère de sa reproductibilité technique : le paradoxe de l'« explosante-fixe » (expression inventée par André Breton pour expliciter le concept de "beauté convulsive" chère aux surréalistes) trouve son accomplissement dans l'image sur pellicule, qu'elle soit photographique ou filmique. Dans l'entre-deux-guerres, la clique surréaliste ne chercha rien d'autre qu'à mettre au jour le mensonge du réel et son insoumission à toute représentation objective.

L'exposition "La Subversion des images" au Centre Pompidou montre à travers près de 400 œuvres comment les artistes surréalistes ont fait exploser le mythe de l'objectivité du médium photographique, explorant la subjectivité de la vision. Démonstration de cette révolution visuelle en dix images emblématiques dans le diaporama de l'exposition "La Subversion des images".

La Subversion des images. Surréalisme, photographie, film au Centre Pompidou, jusqu'au 11 janvier 2010.
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Hier soir avait lieu dans la joie et la bonne humeur brouillonnes l'inauguration en fanfare (d'accordéons) du Nouveau Festival du Centre Pompidou. Le Nouveau Festival, kezaco ? Mis sur pied par Bernard Blistène, directeur du développement culturel du Centre, ça n'est ni une exposition, ni une manifestation, mais selon BB lui-même, un « rendez-vous » dans un lieu possible de rencontres, à savoir principalement la Galerie Sud et l'Espace 315 (donc côté place Stravinsky), ouvert gratuitement à tous (à l'exception des spectacles de la Grande Salle).

Assumant son interdisciplinarité fondatrice, le Centre Pompidou propose ainsi au visiteur, pendant un mois, des expériences inédites. Pêle-mêle : se faire sussurer à l'oreille un air d'opéra dans la Light House de Jorge Pardo, écouter un concert au casque dans le Kiosque électronique des Cocktail Designers ou assister chaque jour à des représentations (théâtre, danse, musique) dans le « Beaubourg-la-Reine » de la compagnie du Zerep (avec notamment Forced Entertainment, Arnaud Labelle-Rojoux, Philippe Katerine, Doris Uhlich, Sophie Lenoir...).

Festivals dans le festival, « Bruits de bouche » expose la parole d'artistes, entre performance, lecture et musique, tandis que « Rosebud » interroge la matrice de l'œuvre de 10 écrivains (dont Enrique Vila-Matas, Michka Assayas ou Olivier Cadiot). On pourra également assister à des conférences-performances d'Andrea Fraser, Eric Duyckaerts ou Jean-Yves Jouannais, à des projections vidéo, visibles de la rue, la nuit, ou à la présentation, chaque jour à 14h, d'une peinture par 30 critiques, historiens et amateurs. Sans oublier de fouler le Sol.07 de Vincent Lamouroux, immense surface ondulante au niveau -1 du Foyer qui sera le support de plusieurs pièces dansées, et de visiter la Conciergerie, où Christian Rizzo a conçu l'exposition « Le sort probable de l'homme qui avait avalé le fantôme »... De quoi être tous les jours surpris !

Nouveau Festival, au Centre Pompidou, Paris, du 21 octobre au 23 novembre, et à la Conciergerie, du 21 octobre au 13 décembre.
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Catalogue Le Nouveau Festival du Centre Pompidou, aux éditions du Centre Pompidou, 96 pages, 10 euros. Avec notamment des entretiens de Bernard Blistène avec Heimo Zobernig, Sophie Perez et Xavier Boussiron, Vincent Lamouroux.

Ill. Aurélien Froment, La Pièce du souffleur, 2009, courtesy de l'artiste et de Motive Gallery © Photo : Aurélien Froment

Avec plus de 473 800 visiteurs, l'exposition Alexander Calder, Les années parisiennes (1926–1933), qui a fermé ses portes le 20 juillet, compte parmi les plus grands succès de l'histoire du Centre Pompidou.

L'exposition prend la première place du palmarès de la Galerie 2, espace ouvert en 2003 au sixième étage de l'institution, coincé entre la Galerie 1, là où on lieu les méga-expos du Centre (actuellement Kandinsky, qui elle aussi semble-t-il va battre des records) et le restaurant Georges. Calder figure parmi les six expositions les plus fréquentées depuis la création du Centre, en 1977.

Il faut dire que Beaubourg fait très fort cet été, non seulement avec ces deux expositions d'art moderne remarquables, consacrées aux grandes figures de Kandinsky et Calder, mais aussi avec elles@centrepompidou, passionnant redéploiement des collections permanentes autour des artistes femmes au quatrième étage, ainsi que deux expositions monographiques centrées sur des artistes contemporains français reconnus sur la scène internationale, Laurent Grasso et Philippe Parreno.

A la rentrée, nous attendent une expo thématique qui promet, La Subversion des images. Surréalisme, photographie, film, et une rétrospective Soulages. Une programmation originale, ambitieuse et d'un sérieux irréprochable. Chapeau.


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Ill. Alexander Calder, Joséphine Baker IV, vers 1928. Paris, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, don de l’artiste, 1966 © 2008 Calder Foundation, New York / ADAGP

Pour ceux qui n'auront pas eu l'occasion d'ici le 11 août prochain de visiter l'exposition "Traces du Sacré" au Centre Pompidou, ou pour les autres, qui voudront prolonger l'expérience de cette manifestation majeure, controversée et, donc, passionnante, le Centre Pompidou met en ligne un site internet où foisonnent les points de vue sur la question du sacré dans l'art, depuis les angoisses métaphysiques des romantiques, jusqu'à l'affirmation actuelle de l'homme comme seul maître de son destin.

Le commissaire principal de l'exposition, Jean de Loisy, nous introduit par des petites séquences vidéo aux thèmes clés — traces des dieux enfuis, eschatologie, portes de la perception... Quelques pistes de réflexion nous sont livrées à travers des analyses d'œuvres : la fresque Tête dure de Mounir Fatmi, sourate du Coran en forme de crâne, les mystiques Ruines au crépuscule de Caspar David Friedrich ou la toile pluridimensionnelle The Gate de Barnett Newman.

Une section "Paroles d'artistes" donne la parole, entre autres, à Huang Yong Ping, dont Ehi ehi Sina Sina, gigantesque moulin à prières tibétain en perpétuelle rotation, évoque, selon l'artiste, la "migration de la religion", à Jean-Jacques Lebel, qui décrypte sa sculpture "télépathique" Radio Momo (hommage à Antonin Artaud), à Yazid Oulab, auteur de la magnifique vidéo Le Souffle du récitant comme signe, ou à Marc Couturier, dont le Numen (HCC), fresque abstraite magistrale à la pointe d'argent sur poudre de marbre, a été réalisée en un "mouvement de tout son être".

"Autour de l'exposition" rend compte des événements parallèles à l'exposition : extrait de la représentation de D'après J.C. de Herman Diephuis, rencontres de la BPI sur le thème "Littérature contemporaine et sacré", avec notamment Julia Kristeva et Marie Darrieussecq, courts-métrages, conférences de René Girard et Marcel Gauchet...

http://traces-du-sacre.centrepompidou.fr/

Exposition Traces du sacré, Centre Pompidou, Paris, jusqu'au 11 août 2008

Ce qui agace surtout, dans cette profusion quasi incontrôlée, ce sont les maladresses de la scénographie et de l’accrochage, d’où une impression d’entassement, accentué lorsque la foule se presse tant bien que mal dans les espaces étroits et labyrinthiques.
Est-ce dû au commissariat de l’exposition, à cette manière scolaire d’aborder le thème et de le présenter ? Est-ce en partie dû aux œuvres choisies ? Traces du sacré, au Centre Pompidou, réussit la prouesse de les faire totalement disparaître de l’amoncellement proposé. La relation à l’intime, autant qu’au collectif, est essentielle avec un thème comme celui-là. Ici, aucune rupture ne vient rythmer l’espace, systématiquement comblé ; les œuvres ne respirent pas plus que les spectateurs, asphyxiés. Comment entrer en résonance avec leur démarche, leur pensée, leur œuvre, dans un tel fatras d’érudition profusionnelle ?
Après Paris, l’exposition sera présentée au Haus der Kunst à Munich. Il reste trois mois aux organisateurs pour penser un espace plus aéré, mieux pensé, et Traces du sacré prendra enfin toute sa valeur, au moins documentaire.

Traces du sacré, jusqu’au 11 août, au Centre Georges Pompidou (www).

(illustration : Corey McCorkle, Metallic Ball, 2004, DR)

Il ne reste que quelques jours pour aller découvrir l’étonnante exposition Vision tenace, présentation du 2^ème volets des Arts Posters, affiches du duo de graphistes M/M (Paris). 32 créations à la lisière du graphisme et de l’art contemporain retracent depuis 1999 les collaborations de Michaël Amzalag et Mathias Augustyniak avec des artistes, des cinéastes ou des commissaires d’expositions de la scène contemporaine comme Pierre Huyghe, Carsten Höller, Hans Ulrich Obrist, Melvil Poupaud, Sarah Morris, Rirkrit Tiravanija… Une muséographie stimulante où l’on peut voir des papiers peints psychédéliques qui s’étirent jusqu’au sol, accueillant de mythiques sucettes translucides. Ces deux stars du graphisme reprennent en interview la définition du sémiologue Charles S. Peirce, affirmant créer des « icones, indices, symboles » afin d’exprimer leur point de vue singulier sur le monde. Leur choix de s’affirmer comme graphistes (et non comme plasticiens) trouve son origine dans une volonté de récupérer les outils de production de l’ère du tout-produit afin d’en détourner la substance, et de créer ainsi un dernier rempart esthétique à la marchandisation…

Audacieux!

This Is Not A Time For Dreaming, d'après l'affiche du film de Pierre Huyghe, copyright M/M Paris, galerie Air de Paris.

Los Angeles, d'après l'affiche du film de Sarah Morris, copyright M/(Paris), galerie Air de Paris.

Vision tenace jusqu’au 18 février au Centre Georges Pompidou,

Les M/M sont également présents à la galerie Air de Paris, à Paris, jusqu’au 8 mars.

Jusqu'au 3 mars le Centre Georges Pompidou propose une mise en abyme ludique en consacrant une exposition aux travaux de son propre architecte, le britannique Richard Rogers. Sur 1150m2 s’étalent des maquettes réalisées dans différents matériaux, futuristes avec des animations lumière, ou plus sobres, en bois, fines et précises, des photos et des croquis papiers, fusains, feutres, le tout sous des bannières presque fluos.
Ne pas être décorateur mais bien organisateur de la vie, voilà le fer de lance de l’architecte aux idéaux humanistes préoccupé par le développement durable et la gestion de l’urbain. D'immenses baies vitrées ouvrent l’expo sur la fontaine de Jean Tinguely et Niki de Saint Phalle. et le mouvement des piétons, la perméabilité, la flexibilité et la clarté de ce dispositif font parfaitement écho au travail de l’architecte.

Richard Rogers et Renzo Piano, jeunes trentenaires peu académiques conceptualisent Beaubourg au début des années 70. (Rogers est aujourd’hui le dernier lauréat en date du Pritzker Price, équivalent du Nobel pour les architectes).

Comme un monstre tubophage qui nargue de ses conduits d’aérations et autres systèmes de climatisation le quartier des Halles, le Centre Pompidou fut détesté durant sa création jusqu’à son inauguration en 1977. « Une raffinerie de pétrole inachevée », « un King Kong culturel » pouvait-on lire dans la presse… Fort de son architecture funky qui se prémunit d’ une culture ampoulée, véritable réussite en matière de démocratisation culturelle, il s’impose aujourd’hui comme un passage obligé et qui plus est de qualité.

Bel hommage donc…

Rogers + architectes, jusqu'au 9 mars au Centre Georges Pompidou.
Illustration : Centre Pompidou, Paris, France, 1971-1977, Renzo Piano et Richard Rogers © Katsuhisa Kida

En 2007, le Centre Georges Pompidou fête son trentième anniversaire. Ce monstre architectural toujours surprenant 30 ans plus tard, construit par Renzo Piano et Richard Rogers, a été inauguré le 1er février 1977 par Valéry Giscard d'Estaing, alors président de la République. Pas de réel événement pour célébrer cet anniversaire, si ce n'est un nouvel accrochage des collections modernes (première moitié du XXe siècle) qui mettra en valeur ses grands fonds monographiques.

Et toujours à Beaubourg :

Hergé, Le Mouvement des images (derniers jours), BD Reporters, Yves Klein, Les Peintres de la vie moderne, Le Nuage Magellan.

Impossible de ne pas parler de l’exposition que consacre le Centre Pompidou à Charlotte Perriand (1903-1999). Architecte d’intérieur, elle fut une collaboratrice de Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Jean Prouvé. Créatrice hors paire, elle resta longtemps dans leur ombre. Nombreuses sont ses réalisations qui sont attribuées à l’un d’entre eux ou à plusieurs signatures (la Chaise Longue), mais Perriand n’en a jamais fait cas. Au contraire, elle réfléchit à comment rendre l’intérieur agréable à habiter dans une dimension pratique, économique (la production en série) et d’optimisation de l’espace. Elle créée donc des structures modulaires, des meubles aux formes épurées et aux matériaux s’adaptant aux demandes. Son travail inspire encore de nombreux designers contemporains tels les frères Bouroullec, pour exemple leur bibliothèque « Self Shelf » (2004).
Accompagné par la voix de Perriand, le visiteur commence par voir la reconstitution de la salle à manger de l’appartement place Saint-Sulpice ; mais les objets se feraient presque attendre. Cependant, cette longue déambulation au milieu des croquis, articles, photographies, mène à la découverte des meubles et maquettes; alors on comprend mieux la démarche de la commissaire d’exposition. Elle a permis au fil de ce parcours de faire connaissance avec la créatrice pour mieux appréhender ses œuvres. Rien n'est oublié, surtout pas sa passion de la montagne pour laquelle elle mit en forme des systèmes de « refuge » et participa à la création de la station des Arcs.
(illus. (c)ADAGP, Archives Charlotte Perriand)
A lire : le catalogue de l’exposition, la monographie Charlotte Perriand, un art d’habiter, éd. Norma et surtout son autobiographie Une vie de création éd. Odile Jacob.

Plus que pour l'exposition Dada, il est important de signaler le travail accompli en ligne par le Centre Pompidou en accompagnement de l'expo Big Bang au musée national d'art moderne (jusqu'au 17 mars 2006). Destruction, Construction-Déconstruction, Archaïsme, Guerre, Sexe, Subversion, Mélancolie et Réenchantement. A travers un parcours thématique détaillé ici, le musée avait réagencé en 2005 ses collections permanentes pour documenter le thème de la destruction et de la création dans l'art du 20e siècle. Originalité ? C'est tout simplement la première fois que Beaubourg concevait une expo thématique et non chronologique à partir de ses collections permanentes (on se souvient bien sûr des grandes expos temporaires comme Masculin/féminin, Le Temps, vite - lire la chronique sur Flu).

Pratique de monter une expo à partir des fonds-maison, puisque les oeuvres peuvent ainsi faire l'objet d'accrochages changeant sur une longue période comme d'un travail de documentation dûment illustré (dossier pédagogique en libre accès : Subversion). A voir sur le web, donc, la bande annonce (anecdotique) et surtout pour la première fois la scénographie virtuelle de l'accrochage, qui offre, salle par salle, thème par thème, une visite guidée détaillée à la découverte des oeuvres. Une façon innovante de penser le catalogue d'un musée à l'heure du réseau ? Notez, en guise de goodie pour la fin, l'affichage aléatoire de l'oeuvre présentée "à la une" (à chaque rafraîchissement de page), qui permet ainsi de faire correspondre à chaque clic une nouvelle oeuvre (au hasard, Joseph Beuys, Yves Klein, Gerhard Richter). Allez, une autre ?