Archives > Novembre 2009

S'il ne fallait retenir qu'une seule image, ça serait celle-ci, Still to come, œuvre de l'artiste américain Jim Hodges, auquel le Centre Pompidou consacre dans sa Galerie d'Art graphique une exposition, Love, etc., qui est, comme son œuvre entier, aussi discrète que remarquable.

Peu connu en France, le travail de Jim Hodges, né en 1957 à Spokane, Etat de Washington, parle d'amour, de fragilité, de mort, thèmes éminemment romantiques et facilement reléguables au banal ou au déjà-vu. L'artiste, de plus, recherche délibérément la beauté, et ce avec des fleurs en tissu, des feuilles d'or ou des pastilles colorées... Ennuyeux, le travail de Jim Hodges ? Pas le moins du monde.  

Pour témoin cette œuvre, donc, Still to come, composée de feuille d'or 23 carats et de papier adhésif découpé. L'œuvre reprend un motif de branchage, le feuillage se détachant du support comme soulevé par le vent. Absence et présence forment dans les œuvres sur papier de Jim Hodges, comme dans ses installations-sculptures des mouvements de va-et-vient. À partir de 2005, l'artiste commence à recouvrir de feuille d'or des pages de journaux provenant des quatre coins du monde. Il les intitule The Good News, obstruant l'information elle-même par une matière qui symbolise la richesse comme l'éternité — on pense aux coupoles byzantines évoquant le Paradis ou aux enluminures médiévales à fond d'or déplaçant le contexte réel dans le divin abstrait. Still to come, « A venir », évoque un futur qui rassure, une éternité impalpable, au-delà de la matière. La mort acceptée, dans sa plus belle représentation.


Jim Hodges. Love, etc., au Centre Pompidou, Galerie d'art graphique, jusqu'au 18 janvier 2010. www

Ill. Jim Hodges, Still to Come, 2004, feuille d'or 23 carats et adhésif sur papier, 152,4 x 111,8 cm, collection particulière

Dans le petit monde des revues d'art, trouver sa niche est une condition indispensable à la visibilité, c'est-à-dire à la survie. Depuis quelques années, le dessin prend une place de plus en plus importante dans les pratiques artistiques, mais il lui manquait encore, si ce n'est une bibliographie conséquente, du moins une revue digne de ce nom.

C'est chose fait avec Roven, « revue critique sur le dessin contemporain », semestriel qui paraît pour la seconde fois. Dirigé par Johanna Carrier et Marine Pagès, Roven est un bel objet, réalisé par Sylvie Astié du collectif franco-japonais Dokidoki, qui met en avant l'image sans lui concéder tout l'espace et donne au texte juste ce qu'il lui faut de place pour respirer.

On fait dans ce second numéro de précieuses découvertes, notamment les dessins grotesques et inquiétants, entre Henry Darger et James Ensor, de l'artiste canadien Marcel Dzama, ou les impressions post-Pop déréalisantes de l'Américain Matthew Brannon... 

On y trouve aussi, pêle-mêle, des focus sur des artistes pratiquant le dessin, comme le duo Hippolyte Hentgen, qui fait la couverture avec son dessin surréaliste Burden of life, une étude sur le dessin « à l'aveugle », un dossier thématique sur le dessin à quatre mains, avec notamment un portfolio du collectif suédois Teckningsklubben, un choix de livres d'artistes par la libraire Florence Loewy ou une étude sur le symboliste belge Félicien Rops, qui montre que les directrices de la revue ne se cantonnent pas au strict contemporain. Roven multiplie ainsi de manière réjouissante les ouvertures à la réflexion, et tranche avec nombre de revues consacrées à la création contemporaine, ultra-centrées sur leur domaine. On lui prédit un bel avenir. 

Roven, n°2, automne-hiver 2009-2010, 128 pages, 18 euros. www
Diffusion Les Presses du réel


A lire : notre dossier sur le dessin contemporain

Grâce à la qualité des œuvres présentées et à un propos resserré, l'exposition Deadline au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris évite le pathos inhérent au thème proposé : montrer des œuvres d'artistes conscients de leur mort prochaine.

L'apparition du Sida dans les années 80 a touché de plein fouet les milieux artistiques, emportant, notamment, Keith Haring, Robert Mapplethorpe, Absalon, Félix González Torres...
Pour d'autres, la maladie fut un compagnon de route, une présence familière à apprivoiser, qui marqua le travail d'artistes comme Chen Zhen, ou Hannah Villiger, atteints jeunes de maladies incurables.
L'exposition Deadline montre l'art comme un élan vital, une ressource créatrice face à la mort. Démonstration avec le diaporama Deadline. Les artistes face à la mort.

Deadline, au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, jusqu'au 10 janvier 2010. Mini-site consacré à l'exposition : www.parismusees.com/deadline

Renoir est un immense peintre, ça ne fait aucun doute. Avec Monet, il participe, sur les traces de Manet, à la révolution impressionniste. Ses études des reflets de l'eau, dans des toiles comme La Grenouillère, à la fin des années 1860, vont transformer la vision sur le monde en révélant l'impermanence des sensations. Son Bal du Moulin de la Galette de 1876 reste une œuvre d'une grande complexité visuelle, avec ses reflets de lumière fauves et l'impression de « grand air » qui s'en dégage. Le Clown de 1868 annonce Picasso et Le Chemin dans les hautes herbes de 1875 frôle l'abstraction.

L'exposition du Grand Palais, vue à ce jour par 240 000 visiteurs, ne répond pas à ces questions, préférant justifier le choix ingrat de montrer les dernières toiles de Renoir par le fait que Picasso et Matisse les admiraient. Un extraordinaire portrait dessiné de Renoir par Picasso montre le vieil homme, le regard tendu et acéré. Ses mains sont des poings informes, meurtris par l'arthrose : Picasso montre Renoir non pas comme n'importe quel peintre, mais comme l'Artiste, dans une représentation presque abstraite, hommage de l'artisan de la modernité au passeur de la tradition.


Renoir au XXe siècle, au Grand Palais, Paris, jusqu'au 4 janvier 2010 (www), puis au Los Angeles County Museum, du 14 février au 9 mai 2010, et au Philadelphia Museum of Art, du 17 juin au 6 septembre 2010.
Catalogue Renoir au XXe siècle, sous la direction de Guy Cogeval, co-édition RMN/Musée d'Orsay, 464 pages, 49 euros.

Ill. Pierre-Auguste Renoir, Les Baigneuses, 1918, Musée d'Orsay, Paris © Rmn / Hervé Lewandowski

Et c'est jusqu'à dimanche. Pour sa 13e édition, le « Salon de la photographie XIXe, moderne et contemporaine » met cette année la scène arabe (et iranienne) à l'honneur, avec une centaine d'exposants, galeries et éditeurs confondus (dont 75% sont étrangers). Parmi les nouvelles galeries françaises participant, on compte la présence de La B.A.N.K., RX et Patricia Dorfmann, et le retour de Dominique Fiat.

Les exposants arabes ne sont que six, plus deux iraniennes, mais le choix de Catherine David, conservatrice et spécialiste de la scène arabe, comme commissaire de cette édition, devrait garantir la mise en avant de la photographie des Proche et Moyent-Orient, avec notamment la présentation de la collection de la Fondation Arabe pour l'Image, créée en 1997 à Beyrouth, un « Statement » regroupant les galeries tunisiennes, marocaines, libanaises et émiratis, ainsi qu'une « Project Room » présentant des vidéos d'artistes (dont Taysir Batniji, représenté en France par La B.A.N.K., ou les Libanais Khalil Joreige et Joana Hadjithomas).

Des expositions thématiques sont également attendues : « Photographie/Corps/Action » chez Patricia Dorfmann, « Monuments/Anti-monuments » chez Dominique Fiat, « Art et science, matière et lumière » chez Françoise Paviot, « Dystopia » à la Robert Koch Gallery de San Francisco, ou « La photographie hongroise moderne 1919-1939 » à la Vintage Gallery de Budapest. Rencontres, signatures, débats sont aussi au programme.

Paris Photo, au Carrousel du Louvre, du 19 au 22 novembre 2009. www

Ill. Van Leo, Sherihan actrice égyptienne, Le Caire, Egypte, 1976. Collection Fondation Arabe pour l’Image © Fondation Arabe pour l’Image

C'est ce que prétend l'artiste-entrepreneur, qui présente actuellement une série de peintures réalisées par lui-même, dans un non-événement intitulé No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, qui a lieu à la Wallace Collection de Londres, musée prestigieux auquel Hirst a dû payer la somme de 250 000 livres (281 000 euros) contre le droit d'exposer — là, une question d'éthique muséale se pose évidemment, mais passons.

Cette « période bleue » de l'artiste se caractérise donc par un retour à la main : peindre, pour Damien Hirst, est « plus choquant que réaliser des œuvres dans du formol ». Le sujet : la mort encore une fois, cette fois à travers des représentations de crânes bleus sur fond noir, toiles assez médiocres.

Dans un récent entretien au Guardian qui a fait scandale en Grande-Bretagne, Damien Hirst affirme avoir arrêté de peindre à l'âge de seize ans. « Je savais que je pouvais devenir Rembrandt », dit-il, poursuivant : « Je ne crois pas au génie. Je crois à la liberté. Je pense que n'importe qui peut le faire. N'importe qui peut être comme Rembrandt ». En apparence sérieux, l'artiste affirme : « Picasso, Michel-Ange, peut-être, tendent vers le génie, mais je ne pense pas qu'un peintre comme Rembrandt soit un génie. Il s'agit de liberté et de courage. Il s'agit d'une manière de voir. Ça peut s'apprendre. (...) Avec de la pratique, on peut faire de grands tableaux ».

Les critiques ne se sont pas faites attendre, notamment celle de l'artiste Jeremy Deller, lauréat du Turner Prize en 2004 : « N'importe qui ne peut pas peindre comme Rembrandt. (...) Il ne s'agit pas de travailler dur, c'est autre chose, le génie, c'est une qualité pure. Damien Hirst a travaillé très dur, mais à seulement une chose, se vendre. Mais cela fait des années qu'il n'a pas travaillé à être un artiste décent. Depuis dix ans il n'a pas fait grand chose, il s'est juste répété parce qu'il sait que ça lui rapporte de l'argent ».


A voir : No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, à la Wallace Collection, Londres, jusqu'au 24 janvier 2010. www

Photo : vue de l'exposition No Love Lost, Blue Paintings by Damien Hirst, Wallace Collection, Londres

Juillet 2007 : « l'affaire » du baiser posé par une visiteuse de la Collection Lambert en Avignon sur une toile immaculée du peintre américain Cy Twombly fait grand bruit et finit par porter préjudice non seulement au musée, accusé d'acharnement judiciaire sur une artiste, Rindy Sam, qui avoua avoir voulu accomplir là un « geste d'amour », mais aussi sur le peintre, et plus largement sur tout l'art contemporain, soupçonné, en gros, de se foutre du monde (une toile blanche assurée pour 2 millions d'euros, quel scandale !).

Trois mois plus tard, la Collection Lambert organisait une exposition, J'embrasse pas, qui se voulait une réponse des artistes (Bertrand Lavier, Douglas Gordon, Orlan, Bruce Nauman, Lawrence Weiner...) à cet acte de vandalisme aussi stupide qu'inconscient.

Mars 2008 : les consciences se sont apaisées, le temps de la réflexion est venu, mise en forme grâce à un colloque, intitulé Votre rouge à lèvres a laissé des traces, organisé par Corinne Rondeau, critique et historienne de l'art. Viennent de paraître, sous le titre Dommage(s). A propos de l'histoire d'un baiser, les actes du colloque, complétés par un entretien entre Corinne Rondeau et Eric Mézil, directeur de la Collection, des lettres d'artistes ayant réagi à l'événement, un texte de Denys Riout, spécialiste, notamment, du monochrome, et un autre d'Agnès Tricoire, avocate spécialisée dans la propriété intellectuelle.

Le mépris certain vis-à-vis de Rindy Sam, dont le nom même n'est prononcé que tardivement dans le livre, va de pair avec la méfiance de Cy Twombly lui-même vis-à-vis de la presse, avec laquelle celui-ci n'a pas voulu communiqué, ni lors du vernissage de son exposition, ni après l'incident, et les indéniables erreurs de communication de la Collection Lambert.

On ne peux s'empêcher de penser, tout au long des diverses réflexions menées, à l'ouvrage Le Spectateur émancipé de Jacques Rancière, paru fin 2008, qui dénonce le clivage entre ceux qui savent et les autres, et refuse la position d'un savoir dominant. Car, s'il ne fait pas de doute que l'acte de Rindy Sam est d'une bêtise affligeante et que l'œuvre agressée (une toile blanche incluse dans un triptyque consacré à un dialogue issu du Phèdre de Platon) est d'une immense valeur, on ne peut s'empêcher de se ranger du côté de l'avis de Denys Riout, qui invite à dédramatiser le geste, rapproché du happening et associé à la tentation du toucher à laquelle tout visiteur de musée est confronté.


Dommage(s). A propos de l'histoire d'un baiser, sous la direction de Corinne Rondeau et Eric Mézil, co-édition Actes Sud / Collection Lambert en Avignon, 200 pages, 22 euros.

A lire : la critique de l'exposition de Cy Twombly à la Collection Lambert en Avignon

C'est hier, lors du conseil d'administration du 104, centre de création artistique situé dans le XIXe arrondissement et fer de lance depuis un an de la politique culturelle de la Mairie de Paris, que ses deux directeurs, Robert Cantarella et Frédéric Fisbach, ont annoncé leur décision de ne pas renouveler leur mandat, qui arrive à échéance en mars 2010.

Ceci suite à la décision de la mairie de ne pas augmenter sa subvention de 8 millions d'euros — sur un budget de fonctionnement de 12 millions —, voire même de la baisser, si la crise venait à durer. Cantarella et Fisbach réclamaient quant à eux une augmentation de 2 millions d'euros de cette subvention, notamment pour alimenter les résidences d'artistes. Une demande légitime mais assez irréaliste, quand on sait que le 104 affiche aujourd'hui un déficit de 700 000 euros.

Raison principale de ce bilan en demi-teinte : la fréquentation n'est pas aussi bonne que souhaitée (la direction annonce le chiffre de 500 000 visiteurs depuis l'ouverture, contre 300 000 selon la Mairie, chiffres impossibles à vérifier tant le lieu est ouvert à tout passage), malgré une bonne programmation (ainsi récemment le festival Polyphonix, ou prochainement une installation vidéo de Tacita Dean sur Merce Cunningham), peut-être parfois trop timide ou trop exigeante. Et le souhait de faire des anciennes Pompes funèbres de la Ville de Paris (restaurés pour 100 millions d'euros) un foyer de mixité sociale reste un vœu pieux : car malgré la bonne volonté et les programmes mis en place, on sait que ce sont toujours les mêmes, approximativement, qui vont voir un spectacle au Théâtre de la Ville, une expo au Centre Pompidou, un concert au Point Ephémère ou une performance au 104...

L'établissement devra, selon Christophe Girard, adjoint au Maire chargé de la Culture, trouver un « gestionnaire », plutôt qu'un artiste, ajoutant, dans une déclaration à l'AFP, « il faudra chercher des partenariats mais nous ne nous faisons pas trop d'illusions, en ce moment, il n'y a pas d'argent providentiel. Il n'y a qu'une bonne gestion rigoureuse et inventive à avoir ». Et une bonne programmation ?

www

Voir l'article sur l'ouverture du 104 en octobre 2008

Photo © Frédéric Nauczyciel/see-you-tomorrow

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Entretien : Berlin selon l'écrivain Jean-Yves Cendrey

La journée du 9 novembre 2009, qui célèbre le vingtième anniversaire de la chute du mur de Berlin, est festive, avec ses concerts à la Porte de Brandebourg et son jeu de dominos géant symbolisant l'effondrement physique du mur, mais aussi les réactions en chaîne qui suivirent et le démantèlement du bloc soviétique.

C'est aussi un jour de mémoire. Selon l'ancien chancelier allemand Helmut Kohl, les Allemands « n'ont pas beaucoup de raisons dans leur histoire d'être fiers ». « Il n'y a rien dont je sois plus fier que la réunification allemande », ajoute-t-il. L'actuelle chancelière Angela Merkel a hier inauguré un nouveau musée d'un type un peu particulier, installé dans la Villa Schöningen, à Potsdam, dans la banlieue de Berlin.

Le musée se trouve à proximité du célèbre pont de Glienecke, surnommé le « Pont des Espions », qui servit pendant la guerre froide aux échanges d'espions capturés. C'était, selon l'ancien directeur de la CIA William Colby, « l'un des seuls endroits au monde où Américains et Soviétiques se faisaient face directement. La moitié du pont était à eux, l'autre à nous. Quand nos deux Etats voulaient régler discrètement quelque chose, c'était le meilleur endroit pour le faire ».

Le musée de Potsdam montre des objets et des documents d'époque ainsi que des témoignages sur des bornes interactives vidéo qui racontent ces échanges spectaculaires — il n'y en eut en réalité que trois (en 1962, 1985 et 1986), et ils n'ont concerné que 38 personnes en tout et pour tout. Le plus célèbre de ces prisonniers politiques fut sans doute Nathan Chtcharansky, dissident soviétique condamné en 1977 pour trahison et espionnage, puis libéré en 1986, après neuf ans de goulag. Après son passage à l'Ouest, Chtcharansky devint ministre en Israël.

Le musée possède aussi un petit morceau du mur de Berlin, dédicacé par Mikhaïl Gorbatchev, George Bush père et Helmut Kohl.

Infos

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Photo: Angela Merkel inaugure le musée du Pont de Glienecke, à la Villa Schöningen de Potsdam, le 8 novembre 2009. © Reuters

Berlin 1989-2009 - L'Effacement des traces, au Musée d'Histoire contemporaine - BDIC, Hôtel des Invalides, Paris, jusqu'au 31 décembre 2009. Infos

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