Archives > Juin 2009

Depuis quelques années, quelques critiques et de nombreux marchands d'art tombent en grâce devant ce que l'on nomme le street art, ou art urbain, tandis que la RATP et autres services de voirie municipales continuent à se battre pour effacer de leurs rames et rues toute manifestation graphique — qu'elle soit artistique ou non.

Comme l'annonçait lundi le Figaro, le street art aujourd'hui se vend à merveille : après une vente consacrée au même thème en décembre dernier chez Artcurial, 480 000 euros ont été récoltés ce week-end par la maison de vente Millon-Cornette de Saint Cyr, lors d'une vente organisée à La Cigale, haut lieu de la nuit rock parisienne. Si les commissaires-priseurs se félicitent du résultat, on remarque tout de même qu'un peu moins d'un tiers des œuvres n'ont pas trouvé preneurs : un succès certes, vu le prix des adjudications (notamment 15 000 euros pour une œuvre de Shaka, artiste français, estimée 4000-6000 euros), mais pas un raz-de-marée non plus.

A noter également que la plupart des œuvres sont réalisées certes à la bombe, mais « sur toile » : or, le street art ne se définit-il pas en premier lieu par son contexte de création, la rue, et non pas l'atelier ? Si les codes du graffiti ont immédiatement été récupérés par la publicité et le design, médiums consommateurs, l'art les avait lui aussi déjà absorbés et digérés dès les années 1980, avec Keith Haring ou Jean-Michel Basquiat : mais ces artistes, une fois acquis un certain niveau de reconnaissance, ne se revendiquèrent plus comme des artistes de la rue, et ainsi se dépolitisèrent largement. Car déplaçant le contexte de l'art, on en déplace le sens : en ce qui concerne le graffiti, la revendication d'une créativité hors des sentiers battus de l'académisme et du marché de l'art est essentielle pour comprendre que c'est un avant tout un geste politique, traduit plus ou moins brillamment (jugement critique qui souffre de ne pas être très politiquement correct, semble-t-il) par une esthétique.

Après l'expo « TAG » au Grand Palais au printemps, une exposition intitulée « Né dans la rue. Graffiti » ouvrira ses portes le 7 juillet à la Fondation Cartier pour l'art contemporain. La manifestation se veut très documentaire, avec photos et vidéos témoignant de la naissance du graffiti à New York dans les années 1970. Par ailleurs, plusieurs artistes sont invités à taguer le bâtiment de Jean Nouvel, et des œuvres seront « créées spécialement pour l’événement ». Sur toile ? On en reparle bientôt dans Flu.

Né dans la rue. Graffiti, du 7 juillet au 29 novembre 2009, à la Fondation Cartier pour l’art contemporain. www.fondation.cartier.com

Ill. Henry Chalfant, Stalingrad, 1985.

Voir égalemet notre sélection de toiles graffées.

Le travail du jeune artiste Stéphane Vigny évoque un post-dadaïsme gentiment fêlé ou un art sournoisement conceptuel, au choix. Ainsi Stéphane Vigny présente actuellement dans le cadre de l'expo collective « Spy Numbers » au Palais de Tokyo un authentique poteau électrique intitulé L'Original est une copie, ready-made monumental qui s'intègre à merveille dans l'architecture post-industrielle du bâtiment, jusqu'à s'y confondre.

Pour sa première exposition personnelle, « Sam Suffit », à la galerie LHK, l'artiste joue dans ses œuvres avec la réinvention de formes sculpturales autonomes à partir d'éléments issus de la culture populaire. A découvrir avant de la visiter, 6 rue Saint-Claude, à Paris, un diaporama de l'expo de Stéphane Vigny.

Exit Christine Albanel, ministre bavarde dont l'unique marque au gouvernement Sarkozy aura été d'avoir commis une loi inappliquable et archaïque. Non content de recruter dans les rangs du Parti socialiste des ministrables dont les dents doivent rayer le parquet de l'Elysée, le Président de la République s'attaque carrément au cœur de la mitterrandie en recrutant dans la famille même de son prédécesseur.

Dès demain mercredi, Frédéric Mitterrand, neveu de François, quittera son poste de directeur de la Villa Médicis à Rome, qui n'aura été finalement pour lui qu'un formidable tremplin, pour prendre les rênes d'un ministère en bien mauvaise passe. Menacée de restructuration, voire de démantèlement, la rue de Valois a besoin aujourd'hui d'un personnage de terrain, non seulement familier des milieux de la culture, mais aussi porteur d'une vision forte pour soutenir les arts dans un pays qui sacrifie de plus en plus la culture à l'autel des loisirs et de la communication. Scénariste, animateur télé, commentateur des fastes royaux, écrivain, producteur, réalisateur, Frédéric Mitterrand représente le côté bling-bling d'une certaine gauche. Croit-il, comme son oncle l'avait exprimé, aux "forces de l'esprit" ? On ose l'espérer.

Un ancien bâtiment de la Banque de France transformé en « centre de production et de diffusion des arts visuels » : la ville de Béthune, près de Lens, assume son passé en assignant à l'art ce lieu emblématique du capitalisme, qui en impose dans cette région minière marquée par les crises et les luttes sociales. Au Lab-Labanque, conçu comme un foyer de rencontres entre les artistes et la population locale, c'est dans la salle des coffres, dans la salle des guichets, dans le bureau du directeur et dans ses anciens appartements, marqués par une décoration bourgeoise toujours en place, que l'art, proposition disruptive par excellence et donc potentiellement subversive, a pris ses quartiers, comme les sans-culottes prirent la Bastille. Aujourd'hui les coffres sont vides, l'art est partout — belle utopie.

Après une mémorable proposition de Claude Lévêque cet hiver, intitulée La Rumeur des Batailles, le Lab-Labanque, ouvert en 2007, invite quatre jeunes artistes à investir ses murs, pour des propositions qui entrent chacune à leur manière en résonnance avec les lieux. Stéphane Thidet expose fort à propos un Terril de confettis noirs, que l'on avait pu voir l'an passé à la FIAC, mais qui trouve bien évidemment ici un écho démultiplié, entre hommage au pays minier et ambiance de fin de partie. Chargé d'occuper la salle des guichets, l'artiste a décroché du plafond les néons à la lumière disgrâcieuse, référence ironique à la sculpture de néons chère aux post-modernes, qui ainsi barrent l'espace et en modifient le parcours. Contrôlés à distance, des portes claquent, des tiroirs se ferment brutalement, comme dans une partition de Pierre Henry... : une ambiance à la Shining nous fait rapidement grimper à l'étage.

Enfin, le duo Cléa Coudsi et Eric Herbin, au dernier étage, également issus du Fresnoy, met à profit ses capacités techniques pour créer des œuvres très poétiques, en réalisant un mur d'enveloppes qui parlent (des SMS sont lus par des voix de synthèse lorsqu'on rabat l'enveloppe), et une table de lettres aimantées qui bougent. Aléatoires, les œuvres nous délivrent un message. Lequel ? Là n'est pas la question.

Stéphane Thidet, Bertille Bak, Cléa Coudsi & Eric Herbin, au Lab-Labanque, Béthune, jusqu'au 12 juillet 2009.

Le site et le blog de Lab-Labanque

Ill. Stéphane Thidet, Bertille Bak et Cléa Coudsi & Eric Herbin au Lab-Labanque.

www.moma.org

Ill. Marina Abramovic, AAA_AAA (with Ulay), 1977-2006, courtesy galerie Serge Le Borgne, Paris

Comme chaque année, le Journal des Arts, via son éditeur Artclair, publie un "palmarès des musées" français, au nombre de 362, jugés à l'aune de trois critères généraux : la qualité de l'accueil du public, le dynamisme et la politique de conservation. Parmi les éléments qui déterminent les valeurs du barème, sont retenus notamment la qualité des expositions temporaires, l'existence et l'efficacité d'un site Internet, la proportion des budgets d’acquisition sur le budget global, la recherche de mécénat, les tarifs, etc.

Si les musées parisiens, en règle générale mieux dotés et plus fréquentés, caracolent à la tête du classement, la surprise vient du fait qu'après cinq ans à la première place, le musée du Louvre dégringole en troisième position, laissant la pole position au Centre Pompidou, et la seconde au musée du Quai Branly. Puis viennent notamment le Palais des Beaux-Arts de Lille et les musées des Beaux-Arts de Lyon et de Rouen, structures municipales ultra-dynamiques et proposant depuis de nombreuses années des expositions d'intérêt international, comme "Repartir à zéro" à Lyon ou "Istanbul, traversée", actuellement à Lille.

D'une manière générale, on note que la fréquentation des musées en France a augmenté de près de 10 %, avec en tout 40 millions de visiteurs — ce qui pose par ailleurs des problèmes de saturation, notamment au Louvre —, et que les dépenses consacrées aux expositions temporaires ont cru de 23 %, tandis que les acquisitions ont baissé de 18 %. Mais 2009 risque d'être une année plus difficile, avec notamment l'annulation ou le report des expositions, comme c'est le cas au musée des Arts décoratifs.

Ill. Jean Widmer, Etudes préliminaires pour le logo du CGP, 1974-1977 © Centre Georges Pompidou, Logo

Aussi évidente, injuste, inutile, artificielle, superficielle, médiatique qu'elle soit, la liste des « 200 artistes les plus importants depuis 1900 » publiée par le Times, en collaboration avec la Saatchi Gallery, en dit bien plus sur les votants — 1,4 millions ! — que sur la « valeur » réelle des artistes eux-mêmes et sur l'art du XXe siècle.

L'absolue partialité des votes reflète bien plus les goûts actuels du public qu'une réelle hiérarchie objective : retour au goût pour la peinture et à ses valeurs sûres (le premier sculpteur, Brancusi, est à la 16e place), préférence donnée aux artistes modernes plutôt qu'aux contemporains (la plupart des artistes sont morts depuis bien longtemps), absence totale d'artistes contemporains français (on aurait pu y voir Daniel Buren ou Christian Boltanski, notamment), très faible représentation des femmes (on en a compté 19, soit environ 10%, mais allez donc voir l'expo elles@centrepompidou...).

Et vous, vous auriez voté pour qui ?

 

Une enquête publiée dans le numéro de juin 2009 du journal The Art Newspaper montre, preuves à l'appui, que la récession touche durement le monde de l'art, en annonçant l'annulation de plus d'une vingtaine d'expositions majeures dans le monde entier en 2009-2010 — ou leur report à une date inconnue, comme c'est le cas pour la manifestation consacrée à l'art contemporain indien prévue au Centre Pompidou l'année prochaine, et repoussée hypothétiquement à 2011.

Si cette étude ne met en évidence que la « partie émergée de l'iceberg » — le programme des expositions en 2010 n'ayant pas été publié par toutes les insitutions —, elle tient pour responsable principale la crise économique actuelle qui réduit considérablement les budgets alloués par les gouvernements à la culture, tout en rendant frileux les principaux mécènes. Il est ainsi démontré que la situation est bien pire aux Etats-Unis qu'en Europe, non seulement parce que le pays est plus durement touché, mais aussi parce qu'une grande partie des financements des musées américains (non pas la majorité, comme on le pense souvent, mais environ un tiers en moyenne) provient du mécénat privé et des fameux « fonds de dotation » (endowments) réduits comme peau de chagrin par la crise.

A titre d'exemple, l'exposition monographique consacrée à l'artiste brésilien Cildo Meireles, présentée à la Tate Modern, à Londres, à l'automne dernier, puis au musée d'art contemporain de Barcelone ce printemps, a annulé sa tournée nord-américaine, qui devait faire escale à Houston et à Toronto. Parmi les institutions les plus à cours de liquidités, le Los Angeles County Museum of Art (LACMA), qui annule pas moins de trois expos importantes en 2009-2010. Problème : les expos tournantes permettent aux musées qui les « lancent » de faire un intéressant retour sur investissement, et les annulations inopinées leur imposent un sérieux coût, comme l'avoue le directeur du Victoria & Albert Museum, Mark Jones, dont l'exposition Surreal Things: Surrealism and Design, inaugurée prochainement à Londres, ne voyagera finalement pas au Minneapolis Institute of Arts en 2010, comme prévu.

Autre exemple, franco-américain cette fois, la rétrospective de l'œuvre du peintre pompier Jean-Léon Gérôme, prévue fin 2010 au Getty Museum de Los Angeles, puis début 2011 au musée d'Orsay, ne passera pas par la case du Baltimore’s Walters Art Museum, dont le directeur estime qu'elle engendrerait une perte nette de 300 000 dollars.

Pour les rendre plus rentables, divers musées ont recours à la prolongation des expositions, ainsi la Tate Britain qui annonce une durée de six mois au lieu des trois initialement prévus pour la rétrospective monumentale consacrée au sculpteur Henry Moore. Less is more...

Ill. Jean-Léon Gérôme, La Bacchante, 1853, musée des Beaux-Arts de Nantes.

La Biennale de Venise, grand raout où se retrouve la jet-set de l'art contemporain et où se dessinent — ou se confirment — ses tendances, est une manifestation internationale, perçue aussi comme une compétition artistique entre nations, chaque « pavillon » étant soutenu par le gouvernement de son pays. Aussi les œuvres politiques, comme cette année Le Grand Soir de Claude Lévêque au pavillon français, y trouvent-elles un écho amplifié et les débats peuvent y être vifs.

On connaît la situation politique actuelle de la Belgique, déchirée entre ses communautés wallonne et flamande, certains envisageant même une scission pure et simple du pays. Cette année, c'est la Flandre qui représente la Belgique à Venise, selon un principe d'alternance, un artiste de la communauté française, Jacques Charlier, ayant été officiellement désigné pour exposer dans le off. Depuis 1973, cet artiste dessine des « sexes d'artistes », interprétés selon leurs « attributs artistiques ». Le Ministère de la Culture et de l’Audiovisuel de la Communauté française de Belgique avait favorablement accueilli l’idée de montrer cent de ces dessins sous forme d’affiche dans l’espace public de Venise. Projet finalement rejeté, par crainte, selon la direction de la Biennale, « d'offenser les artistes concernés », prétexte fallacieux étant donnée la bonhommie bien inoffensive de ces dessins — le sexe de Jeff Koons, par exemple, est figuré par l'un de ces ballons de baudruche qu'affectionne l'artiste. Jacques Charlier et ses dessins se sont donc repliés à bord d'un bateau amarré non loin des Giardini — avant d'être exposés dans diverses villes d'Europe —, et bénéficient de fait d'une extraordinaire publicité, qu'ils ne méritaient sans doute pas.

A voir sur Fluctuat, l'interview vidéo de Claude Lévêque, qui représente la France à la Biennale de Venise, et le diaporama de la Biennale de Venise.
www.labiennale.org

Ill. Jacques Charlier, Sexe d’artiste N° 84, 1973-2009 © Jacques Charlier

Les premiers jours d'inauguration de la Biennale de Venise — réservés aux professionnels de la profession et aux happy few parasitaires — est l'occasion pour les quelques laissés-pour-compte de l'art contemporain de manifester leur engagement, leur désarroi, ou plus simplement leur rafraîchissante ironie.

Thierry Geoffroy, dit « Le Colonel », artiste installé à Copenhague et instigateur du collectif d'artistes « Emergency Room », organise depuis plusieurs années des « Critical Run » : la course en tant que forme critique est, dit-il, un format de débat stimulant, qui permet d'évacuer la colère et... la transpiration. Le débat a lieu pendant la course, il est, au propre comme au figuré, le « mouvement » lui-même.

Après New York, Londres, Istanbul, Athènes, Paris, Moscou, Bruxelles, Rotterdam, où chaque course fut prétexte à débat (« L'art a-t-il un impact sur les décisions politiques ? », « La justice aujourd'hui ? », « Comment stimuler l'apathie de la critique ? »…), plusieurs « courses critiques » ont lieu pendant la semaine d'inauguration de la Biennale de Venise, avec pour principal sujet : « Que pensez-vous du thème officiel de la Biennale : Construire des mondes ? ».

A suivre, les « Critical Run » à Stockholm et en Chine. Prêts à débattre ? Voir ici

Près de cinq mois d'exposition, plus de 90 artistes contemporains provenant de 77 pays, déployant des centaines d'œuvres aux quatre coins de la Cité des Doges, sur une surface totale de quelques 100 000 mètres carrés... : la Biennale de Venise joue encore cette année la carte de la démesure.

Génie du noir et blanc, Marc Riboud est, aux côtés de Cartier-Bresson ou de Capa, l'un des noms incontournables du monde de la photographie.

A l'occasion des 50 ans de sa carrière, le musée de la Vie romantique présente 110 de ses clichés, dont une majorité de vintages noir et blanc inédits. Pour (re)découvrir le travail de ce photographe-voyageur "rétif à la violence", qui aime prendre son temps, voici un diaporama de l'expo Marc Riboud, 50 ans de photographie.

Marc Riboud, L'instinct de l'instant - 50 ans de photographie

Musée de la vie Romantique, du 3 mars au 26 juillet 2009

Hôtel Scheffer-Renan
16 rue Chaptal - 75009 Paris

Ouvert tous les jours, de 10h à 18h
sauf les lundis et jours fériés

Plus d'infos

L'expo elles@centrepompidou, sélection des œuvres des "artistes femmes dans les collections du Centre Pompidou" aux 4e et 5e étages du musée, on l'annonçait il y a peu, et on en reparle bientôt dans le mag, notamment pour revenir sur la polémique créée autour d'une ghettoïsation de l'art "des femmes" au XXe siècle, concept très politiquement correct et dont la pertinence peut être remise en cause.

En attendant de visiter l'expo, il est fortement conseillé un petit détour par le site Internet ultra-documenté proposé par le Centre Pompidou, elles.centrepompidou.fr, qui, comme traces-du-sacre.centrepompidou.fr l'an passé, prolonge le propos de l'exposition grâce à des vidéos et des documents inédits, mais une aussi une plate-forme de discussion, un plan interactif de l'exposition, des portraits d'artistes co-produits avec l'INA, une "histoire des femmes au XXe siècle" (on attend "l'histoire des hommes"... !!!), et la retransmission filmée des événements qui marqueront le déroulement de l'exposition.

Petite sélection rapide — et totalement subjective, puisqu'il y en a pour tous les goûts dans l'exposition (eh oui ! l'art "des femmes" n'est pas uniforme !) : un portrait vidéo de l'artiste-photographe française Valérie Belin et un autre de la performeuse italienne Gina Pane, l'autoportrait photographique de Claude Cahun, artiste surréaliste pionnière de l'art queer, un Tir vengeur de Niki de Saint-Phalle, une vidéo-performance de Marina Abramovic ou un reportage dans l'atelier de la peintre abstraite américaine Joan Mitchell.

A suivre jusqu'à la fin de l'exposition, en mai 2010, sur elles.centrepompidou.fr

Cinq ans après son exposition mémorable au Centre Pompidou, M'as-tu vue, et deux ans après son installation romantico-autobiographique à la Biennale de Venise (puis à la BnF), Prenez soin de vous, Sophie Calle est gratifiée d'une importante rétrospective au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Son titre, Calle Sophie, insiste encore une fois sur la quête d'identité de l'artiste française, qui depuis près de trente ans donne à sa vie la plus intime une forme artistique.

Un texte de Marie Desplechin, « À chacun sa Sophie », forme un exergue à l'exposition.
 
« Chaque enfant qui joue se conduit comme un écrivain, dans la mesure où il crée un monde à son idée, ou plutôt arrange ce monde d'une façon qui lui plaît… Il joue sérieusement. Ce qui s'oppose au jeu n'est pas le sérieux, mais la réalité. » — Sigmund Freud, Le Créateur littéraire et la fantaisie
 
Sophie Calle travaille beaucoup. Elle travaille avec constance et sévérité, jusqu’à curer ses pièces de tout sentiment, de toute psychologie et à en chasser tous les ornements. C’est à ce prix qu’elles apparaissent comme vierges, pures, et parfaitement universelles au regard singulier de celui qui les approche. Le travail de Sophie Calle est un travail d’effacement, ce qu’on ne perçoit pas toujours quand on l’aborde pour la première fois. Sa figure attire, c’est une question de technique, mais il faut s’approcher de plus près. Alors elle s’évanouit, et mystérieusement c’est une autre qui apparaît. L’autre, moi, vous. Sophie s’efface et vous êtes là, en filigrane. Tout seul, entrepris par l’absence, la perte, le manque, la privation. Dans un désarroi commun, une souffrance inquiète d’exister malgré tout, et la rage enfantine de réduire le fossé entre la peine et vous. De vous refaire, comme elle se refait à chaque fois. Sophie est la figurine des jeux qu’elle propose, et dont la fonction réparatrice s’apparente aux jeux que pratiquent les enfants, et qui sont un art de la guerre. La guerre à la douleur.

Sophie Calle est le modèle de son œuvre, ou son avatar. Elle n’en est pas le centre. Ou alors, elle en est l’axe tourbillonnant. Elle imprime elle-même la force qui la disperse, et l’envoie se confondre dans ce qui la regarde. L’œuvre de Sophie Calle est centrifuge, ce qu’elle y met d’elle lui échappe et se dissémine. Elle produit du sens qui prospère là où il tombe, et qu’elle regarde fleurir avec satisfaction (et parfois perplexité).

Ce qui est terrible quand il faut parler d’elle, et terriblement intimidant, c’est que toutes les interprétations lui conviennent. Il suffit de lire les (beaux) textes qui lui sont consacrés. Son œuvre éveille une agilité de l’esprit, suscite une érudition, une émulation formidables. La liste des noms illustres qui sont conviés à l’éclairer est interminable. Barthes, Foucault, Blanchot, Bourdieu, Leiris, Beckett, Rousseau, Proust, Pérec, Warhol, Duchamp, Klein, Rauschenberg, jusqu’à Schéhérazade et Buffon, on en passe, on en finirait pas. À force, on cherche les noms qui manquent. Et Benveniste ? Winnicott ? Alors, quoi ? On cale ?

Le travail de Sophie est assez résistant, et assez excitant à la fois, pour que tous les systèmes puissent prétendre avoir leur mot à dire. Le plus amusant, c’est qu’elle ne demande rien. Elle ne fournit pas son propre commentaire, elle n’est pas pendue à son arbre généalogique, elle ne se réclame pas de prédécesseurs glorieux dont l’ombre augmenterait sa lumière. Elle doit penser que les commentaires ne la précèdent pas, ils la suivent. Et quand elle choisit des chantres, elle les prend chez ses contemporains, elle en fait des complices, Guibert, Auster, Rolin. Elle ne risque pas grand chose. Son œuvre est si soigneusement polie que rien ne l’entame. Ce qui ne la sert pas en relief la confortera en creux. Par un petit jeu de bascule, à la fin tout l’avantage. L’œuvre de Sophie, qui n’est pourtant pas si bavarde (elle compte les mots, elle resserre tout), est une source d’où partent des rivières de discours, d’avis, de digressions. Une vraie fontaine de Paradis. Tout ce qui est savant, et érudit, l’alimente merveilleusement. Tout ce qui est banal, et commun, aussi bien.

Au grand manège de  l’interprétation, chez Sophie, nous sommes tous égaux. C’est sa révolution à elle. Un beau tour de passe-passe. Elle a soustrait le jugement aux clercs, aux spécialistes, aux professionnels de la profession, pour le refiler à Martine, à Corinne, à Nadia et à Jean-Marie. Aux « gens » qui achètent leur livre à la librairie et le ticket à l’exposition. À vous et à moi. L’onction officielle a suivi la faveur populaire. Pour quelqu’un qui, à ses débuts, se rêvait en « artiste militante », c’est bien joué. Sophie Calle, artiste démocrate, n’a pas failli. Elle étudie à la loupe le prix des livres qui paraissent au vernissage de ses expositions. Elle veut être vue, elle veut être lue, sans introduction ni certificat de compétence préalables. Ce qu’elle estime avoir mené à bien, elle n’entend pas le réserver à qui de droit. Tout le monde est de droit. Et figurez-vous, ça marche.

À chacun sa Sophie. J’aime beaucoup celle d’Olivier Rolin, la Sophie de Pérec, qui joue, qui ordonne et qui classe. La mienne ressemble à une figure de la Mélancolie. Elle porte une robe rouge, une fine couronne et deux petites ailes grises dans le dos. Elle aiguise au couteau une lance déjà très pointue et il faut se méfier du sourire qu’elle amorce. Un chien (empaillé ?) est couché à ses pieds. Tout cela figure dans un ravissant petit tableau de Cranach l’Ancien qu’on peut voir à Colmar. Elle est aussi, toujours belle mais plus austère, dans une gravure de Dürer, Melancolia I. À la réflexion, Sophie présente avec Dürer pas mal de traits communs, à commencer par le goût de l’amitié.

C’est que la Mélancolie n’est pas toujours chagrine. Elle est artiste, et géomètre. Elle porte sur elle les clés du pouvoir et la bourse de la richesse. Elle est habitée par le génie, proche des extases, et à l’occasion possédée de fureur. La Mélancolie prédispose aux coups d’éclats et aux chefs-d’œuvre. Tout ça lui convient. Me convient. Ma Sophie est néoplatonicienne, humaniste, Renaissance. Renaissance, un mot qui lui va bien.


Calle Sophie, au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, jusqu'au 13 septembre 2009. www.bozar.be

Photo : Sophie Calle, Le Nez, 2000 © Jean-Baptiste Mondino. Sabam Belgique 2009. Courtesy Galerie Emmanuel Perrotin, Arndt & Partner, Paula Cooper Gallery.